Artículo: La función del espectador y sus tipos: el crítico, el cognoscente y amateur

Hace un par de semanas publiqué el artículo “La función de la crítica y la contaminación irreversible del gusto” la cual fue bien recibida y por eso les estoy muy agradecida, pero hay otra razón para mencionarlo porque tal como pensé, pareciera que siempre es más interesante hablar de los autores y aquellos que promueven sus obras, llámese estos reseñistas, analistas o críticos, quienes muchas veces ignoran que también entran en la categoría de espectador o yendo más allá, refiriéndolos como si no importaran o fueran inferiores cuando lo cierto es que tienen un papel que cumplir, ¿cuál es? Hablemos de ello.

EL SUJETO INTANGIBLE

Escribir este artículo fue por un tiempo una letanía al ser un tema tan común y de los que muchos reconocen su importancia, no obstante, me cuesta creer que algo o alguien nos importe cuando ni siquiera podemos definirlo satisfactoriamente y esté fuera del intento superficial de cualquier diccionario. La falta de una definición clara y precisa de un espectador me hizo apartar la idea de mi calendario, pero no de mi mente, así que seguí dándole vueltas a la cabeza.

Fue en un momento donde pensaba todo y nada a la vez que una idea me abordó y en un soliloquio reflexioné: alguien no puede “ser” sin antes “no serlo”. Afortunadamente con esa nueva perspectiva pude llegar a la definición de Flores (2018) la cual, a partir de otros conceptos, propone que un espectador es la persona que rompe su rutina y enfrenta una obra creativa, ya sea de forma accidental o provocado por él mismo obteniendo estímulos recreativos, estéticos y culturales.

En otras palabras, un espectador es aquella persona que voluntaria o fortuitamente interactúa con una obra y quien, para ser considerado como uno, se debe autopercibir como tal: un espectador, además de distinguir que lo que tiene delante es una propuesta creativa (Flores, 2018). Por tanto, lo que en definitiva NO es un espectador es quien pasa desapercibido lo que NO conoce, pues para comprender un objeto o una razón, primero tiene que darse cuenta de que existe, conocerlo y comenzar a descubrirlo.

Ese es el motivo por la que no debería ser relevante el comentario de una persona común que no se ha dado a la tarea de ver una obra o terminarla, pero sí para opinar sobre ella, ¿cómo él o ella va a comprender lo que no conoce?, ¿tienen derecho a ello? Los invito a pensarlo y evitar ese comportamiento en cualquier contexto, nosotros tenemos más poder del que creemos y ahora más que nunca, por ende, debemos usarlo justamente.

LA IMPORTANCIA DEL ESPECTADOR

Ya sea desde su propia percepción o haciendo una búsqueda por internet encontrarán que al hablar de una propuesta creativa, la mayor parte del contenido se enfoca en 3 elementos: el autor, la obra y aquél individuo que la interpreta, omitiendo la mayoría de las veces al espectador, no obstante, los verdaderos elementos a considerar son: el autor, la obra y el espectador.

Esto porque, como Flores (2018) afirma, no puede existir un autor sin obra ni espectador, ni una obra sin autor ni espectador, así como un espectador no puede serlo sin un autor ni una obra. Como pueden apreciar, no es que uno sea más importante que el otro, sino que tienen el mismo peso y cada cual una función:

El autor es quien se encarga de producir la obra en base a su talento, aptitudes y limitaciones, mientras que la obra es el medio expresivo por el cual el autor transmite su idea y la otorga como propuesta al espectador. Asimismo, la función del espectador se resume a aceptarla o rechazarla, lo explico con más detalle a continuación:

LA FUNCIÓN DEL ESPECTADOR

Tal como se planteó anteriormente, cualquier obra dice algo a cualquier espectador siempre y cuando exista una interacción consciente, por lo que para considerarlo como tal, Flores (2018) enuncia estas funciones:

1.- Buscar:  cuando una persona por iniciativa se convierte en espectador a través del encuentro de una obra, esta función tiene 3 niveles: el primero es cuando la persona sabe y desea ver una obra con características específicas tanto en términos de género como en la forma en que se transmite; el segundo es buscar la obra únicamente en términos de género sin importar como se transmite, es decir, es menos precisa; y el tercero es cuando la persona busca una obra cualquiera sin importarle ni el género ni cómo se transmite, por ende, su intención es aleatoria. Obviamente se descarta de esta función al espectador de encuentro fortuito.

2.- Crear expectativas: cuando el espectador encontró la obra, surgen suposiciones de lo que verá junto a su posible calidad en base a sus experiencias, comentarios de terceros, investigación personal y/o fama o prestigio del autor. Esta función la alimentan los intermediarios que promueven las obras (el propio autor, críticos, reseñistas o analistas) a través de medios de comunicación como trailers, publicidad, blogs, redes sociales, etc. Tal como lo hago en “mis primeras impresiones” cada Temporada. Mucho cuidado porque un buen espectador NO tiene prejuicios, pero sí expectativas.

3.- Contemplar: por definición, contemplar significa reconocer que se está en presencia de una obra, no basta con verla, escucharla o incluso sentirla, sino acatarla como lo que es. Una persona no se vuelve espectador sin esta identificación, pues de lo contrario pasa desapercibida y sin saber su significado o desenlace, en otras palabras, nunca se entera que tiene una obra delante.

4.- Juzgar: la persona hace lo que en la crítica se conoce como “doble juicio” donde el primero nace en cuanto se contempla la obra apreciando los detalles más obvios; y el segundo cuando la termina de manera más calmada y profunda, soportándose sobre la reflexión y comparación con los parámetros del propio espectador. Razón por la que alguien que no termina o “dropea” una obra, deja de ser un espectador.

5.- Cuestionar: el espectador debate consigo mismo la calidad de la obra de acuerdo a sus parámetros, si cumple con las promesas estándares del género, si es creíble y hasta qué punto, si los detalles estéticos y elementos narrativos fueron los adecuados con el fin de construir una opinión con base a sus saberes y entendimientos.

6.- Creer o descreer: cuando se habla de descreer, se refiere a que el espectador rechaza la credibilidad de la obra y ejecuta acciones como renegar y desestimar; por el contrario, creer se refiere a aceptar la credibilidad de la obra y ejecutar acciones como halagarla y aprobarla. Incluso si es alguien difícil, entendiendo que señala todos los defectos que sobrepasan sus fronteras de “malo” para convertirse en “pésimo” hasta el punto de desacreditarla ante posibles nuevos espectadores, sigue reconociendo que es una propuesta creativa, por tanto, también es un espectador. Estas funciones son excluyentes y el resultado afecta a las siguientes.

7.- Discriminar: independientemente si el espectador cree o descree, generará una dinámica en la que él suele elegir los elementos que a su juicio ameritan o desmeritan más a la obra que no solo aborda generalidades sino también los detalles más pequeños y específicos. Por ejemplo, a un espectador puede gustarle o no la tocada de un violinista porque lo conmovió para bien o para mal, mientras que a otro puede gustarle o no el mismo violinista por su técnica, postura, ejecución, tono, velocidad, etc.

8.- Criticar: una vez cumplidas las funciones anteriores, el espectador está listo para criticar la obra para sí mismo o a otros espectadores pudiendo ser los resultados variados según su nivel de conocimiento y calificación, es decir, puede juntar los elementos negativos y decir que la propuesta es mala o inaceptable, al igual que junta tanto los elementos negativos y positivos para decir que es regular, así como juntar los elementos positivos y decir que es buena o extraordinaria.

9.- Halagar o vituperar: si el resultado de discriminar y criticar es positivo, pasará al paso lógico de halagar la obra, contrariamente a que si fueron negativos, procederá a denostarla. Esta función varía entre cada espectador.

10.- Aceptar o rechazar: el espectador finalmente debe optar por cualquiera de estas funciones: aceptar o rechazar la obra.

TIPOS DE ESPECTADOR

Si algo he aprendido es que cualquier cosa que tenga un nombre, se puede clasificar y si se clasifica, es porque está cumpliendo con un estándar que lo pone en su lugar correspondiente. Ahora que ya podemos nombrar a un espectador junto a sus funciones estándar, es momento de clasificarlo para lo cual, existen 3 niveles clave que reciben términos distintos dependiendo el autor, sin embargo, su significado es el mismo:

1.- Amateur/ Dilettanti/ Lego/ Espectador inexperto: es el espectador que está en proceso de aprendizaje y cuya intención es adentrarse conscientemente a su área favorita de contemplación.

2.- Cognoscente/ Connaisseur/ Aficionado/ Espectador veterano: esto supone a un espectador aficionado a un autor, género o disciplina que crea una relación sólida con obras particulares y cuyo conocimiento se sustenta en mayor parte por su experiencia sin la necesidad de ser académicos en el tema.  

3.- Crítico/ Profesional/ Espectador experto: parafraseando lo que dije en mi artículo anterior, un crítico es quien posee estrategias de lectura que permiten no solo gozar de la obra desde un punto de vista estético y narrativo, sino también comprenderla desde su estructura incluso conceptual para después promoverla a la audiencia común por medio de una reseña crítica (Masson, 2020). Agregando que estos sí se conciben enteramente como espectadores antes de cualquier otro título.

EN CONCLUSIÓN

El contacto entre “obra y persona” convierte a esta en un espectador, siendo su papel principal aceptar o rechazar una obra y completar la ecuación de “autor – obra – espectador”. De igual forma, su autopercepción como espectador se producirá con el paso del tiempo en la que a través de su experiencia y adquisición de conocimiento técnico estilístico y narrativo, accederá a niveles superiores de clasificación. Es así que ser un espectador ya no suena tan fácil como antes al punto que no cualquiera puede serlo, otro motivo para seguir estudiándolo y afianzar nuestra propia importancia.

Con ello ha terminado el último artículo de la Temporada de Verano 2020 para dar paso a los conteos y después a las reseñas finales de los animes en emisión, es una buena oportunidad para armar su lista de los estrenos de Otoño porque tal parece que serán más de 40, el doble de lo normal. Recuerden consultar otras fuentes para que su información sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

Referencias:

Flores, J. (2018) "Definición, funciones y papel del espectador frente a la obra creativa". Anagramas, Rumbos y Sentidos de la Comunicación. Vol 17. Núm. 33. Universidad de Medellín. Colombia.

Masson, H. (2020) “La función de la crítica y la contaminación irreversible del gusto”. Holy Anime Notes. México. Recuperado el 24 de agosto de 2020 de: https://holyanimenotes.blogspot.com/2020/08/articulo-la-funcion-de-la-critica-y-la.html

Artículo: La función de la crítica y la contaminación irreversible del gusto

Últimamente había leído demasiados comentarios, no precisamente para mí sino a otros compañeros al momento de publicar su crítica o reseña, que decían “si no te gusta, hazlo tú”, “criticar es muy fácil” y mi favorita “hablas mal de las obras que tú mismo no eres capaz de realizar”; eso y mi constante pensamiento de “ya nada me impresiona como antes” en función de los casi 40 o 50 animes que veo por Temporada.

Eso me hizo alejarme un poco de esas páginas y mudarme a Twitter donde puedo publicar sin perturbación reseñas episódicas, obviamente más cortas y relajadas, pero creo que mi cerebro no me dejará avanzar hasta que les diga cuál es la verdadera función de una crítica escrita y la definición de la “contaminación irreversible” que ataca a los veteranos, empecemos.

¿QUIÉNES PUEDEN CRITICAR?

Cualquier ser humano, sea consciente o no, tiene la necesidad de pertenecer a un grupo con el fin de saberse valorados y comprometidos con un proyecto en común, a esto se le conoce como “sentido de pertenencia”, por lo que ese deseo de involucrarse y comentar acerca de lo que nos gusta ha estado en nosotros desde siempre.

Más aún cuando la mayoría tiene un espacio en la web para decir lo que quiera de lo que sea, aunque por supuesto, no todos esos contenidos son iguales, pues dependen del campo de interés y conocimiento de la persona lo que hacen clasificar entre una opinión y una crítica. Yo misma lo he dicho en algunas de mis reseñas “opinar lo hace todo el mundo y cada quien es libre de hacerlo como quiera, pero si personas detrás de ti confían en tu juicio, es mejor ser lo más objetivo y transparente posible”.

LA PERCEPCIÓN DE LA CRÍTICA

Mi experiencia como reseñista me ha permitido conocer a 3 tipos de personas: los que hacen la crítica, los que odian la crítica y los que piensan que la crítica es inútil. Es aquí donde me permitiré resumir lo que alguna vez vi en el anime Hyouka (2012) del estudio Kyoto Animation que deja más clara esta percepción general, específicamente en el capítulo 13, minuto 15:30 “Muerte en la Oscuridad”:

La escuela se encuentra en el Festival Cultural donde alumnos en un salón de clases se quejan de las pocas ventas de una antología que hace una crítica a 100 mangas, una de las alumnas menciona que eso pasa cuando se tiene una idea tan aburrida y que hacer críticas es una pérdida de tiempo; Mayaka Ibara, personaje secundario y quien dio la idea, le pregunta la razón y esta responde que todo queda a manos del lector, al final solo es entretenimiento.

Ibara, sorprendida, le devuelve la pregunta si acaso los autores importan y cómo puede saber cuál es bueno y cuál no; su compañera, con tono burlesco, termina diciendo que los lectores solo deben buscar algo que los haga reír y que todos los mangas son iguales. Finalmente, Ibara replica que bajo su lógica no existirían obras maestras, que son las personas con experiencia quienes deciden eso y que sin importar que no sobrevivan al tiempo están ahí, ella dice "hay diferencias definidas entre las habilidades técnicas de los escritores".

Cabe mencionar que ninguna de las dos está equivocada, habrá quienes disfruten ligeramente de una obra bajo sus propios términos y otros que gusten de interpretar lo que ven para luego encontrar motivos subyacentes, seguramente ambos terminarán compartiéndolo en una red social, pero el hecho es que solo uno será una opinión y la otra, una crítica.

ORIGEN Y FUNCIÓN DE LA CRÍTICA

Dios me ampare en poder resumir a Foucault en su texto “¿Qué es la crítica?”… él dice que en el comienzo de la historia moderna, lo que hoy se conoce como “crítica” era practicado como un monopolio medieval de la interpretación bíblica por parte del clero, siendo así un único privilegio de los Padres de la Iglesia, razón por la que la “resistencia” con el fin de no reconocer esta autoridad, operaban con otro tipo de escritura que significaba “no querer ser gobernados ni restringidos por el magisterio de la Iglesia” (Rauning, 2008).

Este monopolio de la escritura se tradujo como un retroceso, una suspensión de la enseñanza y por ende al autoempoderamiento de los lectores. Siglos después, encontraron que Gottlieb Stolle había resumido el desarrollo contextual de esa época y al mismo tiempo cerrando el arco de la resistencia contra el monopolio de la escritura diciendo “se le llama crítica al arte de comprender a los autores antiguos o hacer comprensible lo que escriben, de distinguir lo que se les ha sido atribuido falsamente o ha sido tergiversado y de enmendar o reemplazar los pasajes corruptos”.

Con ello en mente, la función de una crítica y en consecuencia, de un crítico, no es hablar mal de una obra sino examinarla cuidadosamente para emitir un juicio serio y sustentado. Es así que en la actualidad, el trabajo de un crítico ya no es sentirse parte de una casta de conocedores como si fuera el magisterio, más bien, de lograr que el espectador se vuelva más activo y sofisticado, que refine sus ojos, oídos y hacerlo conocer herramientas para interpretar el producto que consume, tal como una resistencia.

LA CONTAMINACIÓN IRREVERSIBLE

Cuando estudiaba animación, uno de mis profesores nos encargó imprimir un artículo para la clase cuya única prueba de su existencia que tengo son los apuntes en mi cuaderno y mi don para recordar cosas inútiles (que esta vez, es muy útil), así que lamento no poder darles la referencia apropiadamente. Ese artículo explicaba la preocupación de ciertos estudiantes de apreciación cinematográfica que si adquirían las herramientas de análisis fílmico ya no serían capaces de disfrutar “inocentemente” los productos audiovisuales que usualmente consumen.

Este temor infundado de ya no disfrutar de una obra solo porque conocen más o ya nada les impresiona se le denomina como “la contaminación irreversible del gusto”, explico: según su autor, no es que ese conocimiento arruine el goce estético sino que lo amplifica, pues al adentrarse en los diferentes niveles de significado de una obra le otorgan riqueza, profundidad y relevancia.

La contaminación irreversible sucederá tarde o temprano si se consume lo suficiente, de hecho, esa “contaminación” es parte fundamental de la crítica: la formación del gusto. Cuanto más y mejor se conozca la forma estética del cine o en mi caso, de la animación, más exigentes y refinados nos volvemos, en conjunto con las reseñas y el hecho de que los autores las toman en cuenta (como en muchas ocasiones les he mencionado) repunta a un mejoramiento de las obras en general.

EN CONCLUSIÓN

Puede que un espectador no sea tan pasivo como se piensa, pero sí está desinformado y no tiene las herramientas necesarias para saber de qué hablan las series o películas que consume. Son los críticos y reseñistas los que poseen estrategias de lectura que permiten no solo gozar de estos productos desde un punto de vista estético y narrativo, sino también de comprenderlos desde su estructura incluso conceptual para después promoverlo entre la audiencia común, únicamente con el poder de la palabra escrita en una reseña crítica. Recuerden consultar otras fuentes para que su información sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

Referencias:

Rauning, G. (2008) “¿Qué es la crítica? Suspensión y recomposición en las máquinas textuales y sociales”. Viena. Recuperado el 4 de agosto de 2020 de: https://transversal.at/transversal/0808/raunig/es

Estudios de Animación Japoneses: El Contexto Detrás de los Animes

Desde que comencé a escribir reseñas y artículos en el año 2018 le he dado demasiada importancia a la información que les ofrezco, que la misma esté actualizada, sea trascendente y por sobre todas las cosas, invitarlos a corroborarla con el fin de que se lleven “algo más” que solo mi opinión acerca de un anime. Este artículo es el tercero perteneciente a mi propia serie llamada Dossier Técnico de Animación donde podrán consultar otros trabajos como “La Clasificación del Anime y la Importancia del Género” y “El Proceso de Creación del Anime”.

Esta vez hablaré de los estudios de animación al ser estos un factor determinante en el éxito y calidad de lo que producen, les enseñaré que saber acerca de ellos brinda información valiosa de cualquier serie sin la necesidad de haberla visto y les anexaré un documento guía con casi 100 estudios de animación; comencemos: cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas.

LA EVALUACIÓN PRELIMINAR

Cada tres meses dentro de la industria de animación japonesa se celebra una nueva Temporada de estrenos de anime de los que suelo seleccionar a la mayoría y escribir mis primeras impresiones que funcionan como una predicción sobre si el proyecto será recomendable y/o tendrá éxito entre los espectadores tomando como principal referencia 3 aspectos del estudio de animación:

I.- Frecuencia de publicación

Lo primero que debemos tener a consideración acerca del estudio es su frecuencia de publicación pues de ella dependerá el manejo de su presupuesto y calidad, explico: para un estudio que está presente de manera regular en cada Temporada es habitual que los animes sean producidos con rapidez y con presupuesto fijo por lo que su rango de calidad tiende a ser promedio y con animación digital, tal es el caso de Pierrot quien cuenta con dos animes largos (Boruto y Black Clover) que ejecuta simultáneamente desde el 2017 hasta la fecha.

Por otro lado, habrá estudios que reaparezcan con un nuevo proyecto luego de años de estar “inactivos” por lo que es normal que su presupuesto sea más alto que el estándar y haya mejorado su calidad en comparación a sus trabajos anteriores, así como ocurrió recientemente con el estudio Sunrise al anunciar un spin-off del anime Inuyasha de quien habíamos dado por terminado en 2009, ¿qué tendrá para ofrecer 11 años después?

Asimismo, los estrenos más interesantes de revisar serán de aquellos estudios que hacen su debut, en ellos es común que realicen una enorme inversión en su trabajo y además tengan una propuesta innovadora, ese inicio es un punto de inflexión para posicionarse en la industria y continuar trabajando como lo fue en su momento para el estudio Wit quien hizo su debut con Shingeki no Kyojin en 2013, ¿sabían eso? También podemos tomar de referencia a Orange cuyo primer anime fue Beastars en 2019.

II.- Decisiones corporativas

Toda la información que podamos obtener antes de los estrenos es sumamente valiosa porque nos permite estar al tanto de las condiciones en que se está desarrollando una serie, si estas son favorables o no dependerá de las decisiones que tome el estudio y otras variables que están fuera de su control. Entre las situaciones más frecuentes que podemos encontrar son:

                A.- Colaboraciones: esto es una estrategia de mercadotecnia común que tiene como fin atraer nuestra atención e incrementar las expectativas, en este caso existen colaboraciones entre estudios de animación e incluso con sus filiales, o entre un estudio y una personalidad del medio. Por ejemplo, cuando TMS Entertainment anunció su colaboración con el artista Boichi para el diseño de personajes de Dr. Stone, las expectativas de los fanáticos incrementaron y terminó por convertirse en uno de los mejores animes de su Temporada.

                B.- Cambios de estudio: este tema es sin duda el más temido de cualquier fanático pues lo único que provoca es incertidumbre en todos sus aspectos, desde la calidad de animación hasta la fidelidad en su adaptación, no obstante, resaltan casos de éxito como la segunda temporada de One Punch Man que pasó del estudio Madhouse a J.C Staff, dado su buen desempeño nadie extrañó al estudio anterior. Caso contrario con la tercera temporada de Nanatsu no Taizai que estaba a cargo de A-1 Pictures y fue vilmente destruida por el subcontratista de Deen Studio.

                C.- Imprevistos: hay variables que nadie puede controlar y también afectan a la industria de la animación como aquél delicado ataque incendiario que dejó víctimas mortales y daños materiales al estudio Kyoto Animation en el año 2019 lo cual perjudicó sus proyectos sin mencionar las pérdidas de talentos irremplazables, al igual que la pandemia de Covid-19 en 2020 que detuvo la producción casi total de los animes en emisión y terminará por perturbar la agenda de los estudios al menos por 2 años.

III.- Historial y reputación

Esto puede resumirse a la capacidad del estudio en saber elegir trabajos potenciales para producir pues estos serán añadidos a su historial y con el tiempo crearán su propia reputación que es seriamente percibida por los espectadores, para ello no hay mejores ejemplos que el estudio Bones (My Hero Academia) de quien sabemos de antemano que hará lo imposible para cumplir las expectativas de sus fanáticos, también el estudio Doga Kobo (Yesterday wo Utatte) quien es conocido por sus procesos de selección rigurosos; ¿qué percepción tienen ustedes de Ufotable luego del estreno de Kimetsu no Yaiba?, ¿qué percepción tienen ustedes de Deen Studio luego del estreno de Nanatsu no Taizai 3? Exactamente a eso me refiero.

LA EVALUACIÓN INTERMEDIA Y FINAL

Como donadora de opinión, uno de los aspectos más importantes que he de considerar en mis reseñas es el recibimiento de los espectadores y otros compañeros, es de mi interés y preocupación saber qué piensan ustedes sobre al anime al paso que se emiten los capítulos. Si nosotros como fanáticos estamos contentos, significa que el estudio está haciendo las cosas bien y merecen ser reconocidos por ello.

Es divertido escribir y leer quién fue la mejor personalidad masculina y femenina de la Temporada, igualmente saber a qué animes pertenecen la mejor apertura y cierre musical. En otras palabras, las encuestas de carácter ordinal son lo que motiva a los estudios de animación a mejorar, por ende, es importante participar; pueden hacerlo a través de las cuentas oficiales del estudio en Twitter o directamente en las plataformas de streaming como Crunchyroll, Netflix, Amazon, etc.

INTERPRETACIÓN DE LA TABLA

La tabla que les anexaré fue creada con el propósito de servir como una guía general de todos los estudios de animación que conozco, para ello tomé de referencia mi propia lista de animes por lo que no solo es enorme sino que se llevó 2 semanas de mi vida y no puedo estar más orgullosa de ella. Lo único que lamento es no haberla ordenado alfabéticamente pero la misma está actualizada y habrá versiones mejoradas en cuanto estén disponibles, trataré de que sea por Temporadas.

Lo que encontrarán será el nombre del estudio, su propietario o matriz, una lista de sus animes más representativos ordenados cronológicamente, el rango de calidad estándar en su animación y una especialidad o comentario destacable de cada uno. Mucho cuidado, recalco que NO son todos los animes que han producido, en algunos omití las secuelas y tampoco mencioné sus colaboraciones con otros estudios, el anime que quieran revisar estará con la casa animadora que encabezó el proyecto.

Si ustedes abren el enlace en su computadora podrán ver un encabezado con el título del documento y en la parte derecha 3 puntos verticales llamado “más acciones”, si abren la pestaña verán la opción de “buscar” que podrán utilizar para escribir el nombre del anime o el estudio que deseen consultar. Esto de manera provisional mientras lo ordeno alfabéticamente y… admito que no sé hacer ese procedimiento con un celular, les pido una disculpa por mi mediocridad tecnológica. Dicho eso espero que comprendan el motivo por el que no permití la opción de “descargar”, fue creado para ustedes con mucho cariño y en nombre de la industria que tanto amamos.

PARA FINALIZAR

Conocer los estudios de animación es útil para predecir sus probabilidades de éxito, no para determinar si un proyecto en específico será bueno o no. Muchas gracias por leer, por favor notifiquen si encuentran un error o si tienen problemas con el enlace.

ENLACE DE ESTUDIOS DE ANIMACIÓN: Estudios de Animación - Por: Holie Masson

Reseña: Eizouken ni wa te wo Dasu na!

El anime más querido de la Temporada de Invierno 2020 ha terminado sin anuncios de una secuela aunque lo cierto es que su final ha sido lo suficientemente satisfactorio para esperar un tiempo, ¿por qué es tan importante?, ¿qué tiene de interesante? Hablemos de una obra de arte tan hermoso como poco comprendido, empecemos: cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY SPOILERS.

Eizouken ni wa te wo Dasu na! Es un anime del género seinen escolar que tiene como protagonistas a un trío de chicas que desean crear anime dentro de su escuela, sin embargo, no tienen el dinero suficiente ni las herramientas de calidad, ¿cómo lograrán hacerlo? Acompaña a la decidida diseñadora Asakusa, a la idol animadora Mizusaku y a la reina de los negocios Kanamori.

EL MEJOR PARA EL TRABAJO

Solo hay una persona en la santa villa del Señor capaz no solo de traer a las chicas de Eizouken a la vida sino hacerlo de la manera más espectacular posible y ese es el director Masaaki Yuasa quien plasmó su estilo creativo en cada rincón del anime así que solo para conocer las generalidades de este, citaré parte de un artículo que edité hace un par de semanas:

Quienes han seguido los trabajos más representativos del señor Yuasa (…) podemos distinguir que su principal característica es su minimalismo en el diseño de personajes donde las líneas finas tienen la función de resaltar complejas paletas de colores que juegan entre tonalidades cálidas, frías y profundas pero nunca oscuras (…).

La animación en casi todas sus obras tiende a tener largos rangos de movimiento y perspectivas que le atribuyen una anormal flexibilidad a sus personajes al igual que las emociones son casi siempre transmitidas por los movimientos de cámara y no tanto por las expresiones faciales o lenguaje corporal. Masaaki Yuasa ofrece método bajo un concepto inusual de representación visual, es único, creativo, transgresor y memorable que nace de inspiraciones simples… eso es arte, es el arte de Yuasa. (Hana y Masson, 2020)

Es muy preciso, ¿verdad? adicional al arte y elementos propios del autor, quiero nuevamente remarcar la importancia de la animación experimental, es decir, toda forma de expresión libre de una idea que, a través de técnicas de animación se transmiten de forma no convencional pues de ella han nacido innovaciones como Mob Psycho 100% del señor ONE, Beastars con su excepcional opening en stop motion de la maestra Paru y por supuesto, el revoltoso y saturado Eizouken de Sumito Owara.

EL ANIME Y SU PROCESO

Todo amante del anime seguramente se preguntó alguna vez acerca de su proceso de creación y aunque ya tengo un artículo especializado del tema que pueden leer en las referencias, no hay nada como un anime que lo explique por sí mismo y es que la historia de Eizouken no se enfoca precisamente en la empatía y agradecimiento que deberíamos tener con los queridos artistas en la vida real, tampoco de manejar términos rebuscados ni mucho menos de parodiar a la industria como otros animes de la temática sino meramente de sus dificultades y satisfacciones dentro de la mente de sus creadores.

Se trata de encontrar personas capaces de ver el mundo más allá de lo simple, sepan interpretarlo y por ende, transmitirlo de forma simbólica para el resto de la gente, me gustó que el anime mostrara un trío de personajes que por separado necesiten complementarse pese a que en conjunto no den una señal clara de sus limitaciones haciendo que la trama sea, en ocasiones, demasiado conveniente y poco congruente porque claro, son talentosas pero dudo que cada una demuestre alrededor de 20 años de experiencia en la industria considerando su edad, ¿cierto?

Esa confusa línea que constantemente rebasan entre el realismo y la ficción de sus sentimientos, habilidades y contexto es precisamente lo que la vuelve tan atractiva para las nuevas generaciones e incentiven en ellos ese deseo de saber más tal como alguna vez lo hizo Shirobako y Bakuman; la clave del éxito no es enseñar, es inducir a aprender. En Eizouken encontrarás personajes que servirán de inspiración para desarrollar tu talento así que mi sugerencia es mantener los ojos abiertos y percibir los detalles.

LA MELODÍA DE LA DESTREZA

Eizouken contó con un opening interpretado por Chelmico con el tema “Easy Breezy” el cual ganó el primer lugar en el conteo musical de la Temporada y podrá participar a lo mejor del año además de un ending por Kami-sama, Boku wa Kizuite Shimatta con la pista “Namae no Nai Ao” que igualmente obtuvo un buen lugar, no duden en buscar la versión completa de ambas.

EN CONCLUSIÓN

Eizouken ni wa te wo Dasu na! No es el mejor anime para saber de la industria con profundidad, sin embargo, es suficiente para motivarte a aprender más por tu cuenta y lo hace con la pura expresión creativa de la animación experimental proveniente de un director adepto del estilo, con música trascendente y personajes memorables definitivamente se quedará en nuestro corazón por mucho tiempo, es por ello que recibe de mi criterio una calificación de 10 pts de 10.

Recuerden ver y leer otras reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

Referencias:

     Hana; Masson, H. (2020) “Conociendo a: Masaaki Yuasa”. Estación Geek. México. Recuperado el 23 de marzo de 2020 de: https://estaciongeek.com/conociendo-a-masaaki-yuasa/

     Masson, H. (2019) “El Proceso de creación del anime”. Estación Geek. México. Recuperado el 23 de marzo de 2020 de: https://estaciongeek.com/articulo-el-proceso-de-creacion-del-anime/

Artículo: La Clasificación del Anime y la Importancia del Género

Nunca pensé que este tema podría volverse un problema para los fanáticos, donadores y expertos de opinión pero después de haber visto lo que pasó con SAO, Kimetsu no Yaiba y Dumbbell nan Kilo Moteru? Es justo y necesario que se ponga sobre la mesa. Aprovecharé también para crear una guía corta para los que son nuevos viendo anime pues recientemente he leído personas preguntado al respecto así que empecemos. Cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas:

DEFINICIÓN E IMPORTANCIA

Clasificar es distinguir elementos y agruparlos según sus características que puede ser útil para muchos campos y disciplinas, entre ellas el entretenimiento (Definición MX, 2014). El entertainment ratings como también es conocido puede encontrarse en los videojuegos, películas, aplicaciones y por supuesto en la animación.

En el mundo hay grandes asociaciones oficiales encargadas de elaborar guías y a veces supervisar que un producto esté bien clasificado antes de salir al mercado, tal es el caso de la Classification and Rating Administration (CARA) que está afiliada a la Motion Picture Association of America en la que puedes ingresar el título de una película para acceder a su clasificación a partir de 1968 (Comisión Federal de Comercio, 2013).

El anime, al tratarse de un producto de entretenimiento comercial y cultural que se encuentra dirigido a todo público (desde niños hasta personas de la tercera edad) las clasificaciones fueron diseñadas de forma sociodemográfica, es decir, basadas en las características sociales de una población (empleados, amas de casa, estudiantes, entre otros). Es a partir de esa sociodemografía que se pueden definir los géneros que es más probable que consuman como el romance, aventura, acción, fantasía y una lista interminable (Castellazzi, 1999).

Quiero que quede claro desde ahora que si no clasificamos de manera correcta (en especial para los que donamos opinión) puede generar una idea equivocada en el espectador quien al final determina ver algo o no, es nuestro trabajo y responsabilidad aclararles el público para el que va dirigida una obra e indicar los elementos que motivan a esa asignación como la violencia, el lenguaje sugerente, escenas explícitas y otras referencias que son de su interés y preocupación.

Cabe mencionar que estas clasificaciones no determinan el contenido completo del producto y las controversias de su precisión siguen en pie pero ponerlo en nuestras reseñas, críticas y análisis dan por entendido tu código ético y que las decisiones del consumidor ya no te corresponden ni te afectan, al igual que evitan reclamos de individuos y empresas. Basta con leer dos o tres de mis reseñas para darse cuenta que los géneros están justo después del nombre, sin excepción y ha sido así desde el principio… la diferencia es que ahora saben la razón.

¿CÓMO CLASIFICAR CORRECTAMENTE?

Tal como se mencionó anteriormente, en el caso del anime sigue siendo un tema controversial y con falta de precisión, algunos expertos de opinión prefieren tomar el género directamente de las plataformas pero suele suceder que el contenido no sea revisado debidamente, por ejemplo, ¿recuerdan lo que pasó con el primer capítulo de Goblin Slayer? Al principio todos pensábamos que era un anime de fantasía, sin embargo, terminó por herir la sensibilidad de muchas personas a tal punto de ser censurada y editada para que un aviso de contenido apareciera antes de comenzar el episodio. Mucha gente se enojó y reclamó a la plataforma con justa razón, hasta yo lo dije en mis primeras impresiones e hice hincapié en su Reseña Final… vean el lado bueno, pudo ser peor.

Asimismo, lo más común proveniente de páginas de opinión serias o personas que saben del tema y quieren protegerse de la mejor manera adquieren el género desde la obra original, es decir, si el manga o novela ligera está clasificada con cierto género, entonces el anime también pero… esto tampoco suele ser preciso porque como les he dicho en muchas reseñas, el anime no es más que una adaptación de la obra original, han quitado los elementos que funcionan en el manga o novela para trasladarlos al anime.

Puede darse el caso que el tipo de contenido cambie como en el anime Toriko; en el manga, el contenido de Toriko es sumamente hostil y violento lo que puede clasificarse como un seinen (ya hablaremos de su significado) pero en el anime fue extremadamente censurado por lo que su género quedó como un shounen (Ay, Toei… esa metida de pata jamás se olvidará).

Entonces… ¿cómo se supone vamos a clasificar el anime? Es muy simple y complicado a la vez, la mejor manera de hacerlo es conocer a detalle cada uno de los géneros y viendo el anime de principio a fin; detallada y a mano alzada como en la vieja escuela o de lo contrario caeríamos en errores como clasificar a SAO en un Isekai (por años) cuando en realidad es de fantasía, a Kimetsu no Yaiba como un Nekketsu cuando en verdad es un Shounen (lo mencioné en su Reseña Final) o a Dumbbell nan Kilo Moteru? Como un Ecchi cuando no tiene nada que ver, es un Spokon de comedia.

Amigos míos, es importante que cumpla con más del 98% de los requisitos o no será correcto¹, no es el 80%, ni el 70%, ni el 95%, ¿está bien? Si no estás del todo seguro puedes consultar una guía y poner la referencia, haz lo que sea necesario con tal de no ser impreciso, se ve feo y hay reseñistas como yo que balconean en estos artículos (es broma… o no).

GUÍA DE GÉNEROS DEMOGRÁFICOS Y TEMÁTICOS

Antes de pasar a la guía, el género demográfico es el público para el que está dirigida la obra y el género temático es la que se utiliza como centro de la historia. Lo correcto y decente cuando recomendamos un anime es poner primero la demografía y después la temática, por ejemplo: Anime: Naruto – Género: shounen, acción (Uribe, 2010). He de decirles que a veces yo no respeto ese orden (aunque recalco que es lo correcto) pero mientras coloquen ambos está bien:

Géneros Demográficos

Kodomo (niño): anime enfocado a un público infantil, por ejemplo: Dino Rey, Doraemon y Pokemón.

Shounen (chico, muchacho): anime cuyo protagonista suele ser un adolescente y está dirigido a ese público, tiende a contener elementos mágicos y batallas de todo tipo. Por ejemplo: Naruto, Katekyo Hitman Reborn y Kimetsu no Yaiba.

Shoujo (chica, muchacha): se enfoca a un público femenino adolescente, por ejemplo: Fruits Basket, Sakura Card Captor y Lovely Complex.

Seinen (hombre): anime enfocado en hombres adultos, su contenido suele ser maduro, violento y con escenas y/o lenguaje sugerente. Por ejemplo: Akame ga Kill, Shingeki no Kyojin e Inuyashiki.

Josei (mujer): se enfoca en mujeres adultas cuyo contenido tiende a ser maduro, dramático, con recuentos de la vida y con escenas y/o lenguaje sugerente. Por ejemplo: Nana, Orange y Claymore.

Géneros Temáticos

Comedia: con gran sentido del humor (Hinamatsuri, Asobi Asobase, Joshikousei no Mudazukai).

Cyberpunk: un mundo donde los avances tecnológicos toman importancia en los problemas planteados (Ergo Proxy, Akira, Texhnolyze).

Ecchi: se sobreexplota el erotismo (Seikon no Qwaser, Nande Koko ni Sensei ga?!, Isuca).

Fantasía: historias con toques sobrenaturales y que suelen involucrar criaturas mitológicas o mundos mágicos (Sword Art Online, Mahoutsukai no Yome, Uchi no Musume).

Gekiga: se refiere más a un estilo de dibujo dramático, oscuro, serio y realista al contar la historia como en la película de “La Tumba de las Luciérnagas” o también podría incluirse el anime Monster.

Gore: contenido extremadamente sangriento y violento (Hellsing, Tokyo Ghoul, Another).

Harem: varias mujeres son atraídas a un solo hombre (Shuffle!, School Days, Gokukoku no Brynhildr).

Harem inverso: varios hombres son atraídos a una sola mujer (Diabolik Lovers, Ouran High School Host Club).

Hentai: historias con contenido sexual explícito (Aki Sora, Oni Chichi, Shinmai Maou no Testament).

Isekai: el protagonista es transportado a un mundo diferente al suyo (Re:Zero, Tate no Yuusha no Nariagari, Tensei Shittara Slime Datta Ken).

Jidaigeki: historias con contenido histórico enfocados en el periodo Edo (Samurai Champloo, Gintama).

Kemono: humanos con rasgos de animales usualmente dirigido a un público infantil (Thundercats 2011, BEM).

Kinshinsoukan: relaciones románticas o eróticas entre miembros de la misma familia sea sanguínea o no (Yosuga no Sora, Domestic na Kanojo)

Mahou Shoujo: chicas con poderes mágicos que luchan contra enemigos malignos (Sailor Moon, Mew Mew Power, Mahou Shoujo Site).

Mecha: historias que incluyen robots (Evangelion, Asura Cryin´, Darling in the Franxx).

Meitantei: historias policiacas (Cop Craft, Double Decker)

Nekketsu: historias de acción y violencia remarcada cuyo protagonista y amigos superan obstáculos mientras se hacen más fuertes (Dragon Ball, One Piece, Fairy Tail).

Post-apocaliptico: tiene lugar en mundos devastados (God Eater, Coppelion, Gakkou Gurashi).

Romakome: comedias románticas (Kishuku Gakkou no Juliet, Kaguya-sama wa Kokurasetai, Gekkan Shoujo Nozaki-kun).

Sentai: retratan superhéroes que se consideran contrapartes de los occidentales (Boku no Hero Academia, One Punch Man).

Shotacon o Lolicon: se enfocan en romances entre niños menores o también entre adultos y niños (12 sai, Sunoharasou no Kanrinin-san, Happy Sugar Life).

Shoujo ai y Shounen ai: romances inocentes entre chicas con chicas y chicos con chicos (Yagate Kimi ni Naru, Given, 07 Ghost).

Yuri: romance entre chicas con posibles escenas sexuales explícitas y lenguaje sugerente (Strawberry Panic!, Yami to Boushi to Hon no Tabibito).

Yaoi: romance entre chicos con posibles escenas sexuales explícitas y lenguaje sugerente (Junjou Romantica, Dakaichi, Sekaiichi Hatsukoi).

Spokon: anime de deportes (Eyeshield 21, Dumbbell nan Kilo Moteru?, Free!).

Steampunk: historias que tienden a localizarse en la época victoriana (Kuroshitsuji, Gosick, Dantalian no Shoka).

Suspenso: se caracteriza por presentar historias con sucesos inesperados (Yakusoku no Neverland, Paranoia Agent, Ghost Hound).

EN CONCLUSIÓN

Ciertamente estos no son todos los géneros temáticos que existen pero si los pusiera la lista sería interminable, si eres nuevo en el mundo anime te sugiero tomar en cuenta principalmente los demográficos o si ya cuentas con un poco más de experiencia y te sentiste abrumado, no te preocupes, conforme veas anime más fácil te será localizar el género demográfico y temático sin confundirlos con otros.

Por otra parte, si eres un reseñista, crítico o analista deberías aprendértelos a como dé lugar, puedes practicar escribiendo los animes que has visto con su género, similar a lo que yo hice arriba, la gente confía en nosotros, no les falles. Recuerden consultar otras fuentes de información para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

¹Habrá ocasiones en que un anime no termine de encajar al 100% en un género o se complemente con otro(s), hay que ser puntuales con esa información y aclararlo al espectador.

Referencias:

     Castellazzi, D. (1999) “Animeland: Viaje a Través de los Dibujos Animados Hechos en Japón”. Italia: Tarab.

     Comisión Federal de Comercio. (2013) “Clasificación de Entretenimiento”. Estados Unidos. Recuperado el 1 de octubre de 2019 de: https://www.consumidor.ftc.gov/destacado/destacado-s0024-clasificacion-de-entretenimientos

     Definición MX. (2014) “Clasificación”. Editorial Definición MX. México. Recuperado el 1 de octubre de 2019 de: https://definicion.mx/clasificacion/

     Uribe, S. (2010) “Representaciones Sociales en Relación al Fenómeno Manga – Anime”. Fundación Universitaria Los Libertadores. Colombia. Recuperado el 1 de octubre de 2019 de: https://cmapspublic2.ihmc.us/rid=1J7MVX0M4-218P0KB-S3W/Tesis-%20Documento%20Final%5B1%5D.pdf

Reseña: Violet Evergarden

Fue el miércoles 4 de abril de 2018 cuando finalizó el anime técnicamente más hermoso de la historia y la única razón por la que sé eso es porque yo fui su reseñista en ese entonces, era una novata y obviamente después de tanto tiempo esa reseña es inservible (da pena ajena, siendo honesta), es por eso que hoy quiero entregarles la revisión completa que merece su serie en conmemoración al próximo estreno de su película los días 14, 15 y 16 de febrero de 2020 a cargo de Konnichiwa Festival en sucursales Cinépolis, será un placer regresar así que comencemos. Cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY SPOILERS.

Violet Evergarden es un anime conformado de 13 episodios y 1 OVA del género de drama y slice of life en el que Violet busca reintegrarse a la sociedad luego de haber peleado en la guerra, con ambas manos completamente mecánicas y turbios recuerdos que le dejaron las palabras “te amo” , ella les dará significado trabajando como una Auto Memory Doll, es decir, damas que redactan cartas de otras personas con el fin de transmitir sus sentimientos, ¿qué le habrá querido decir aquél hombre?

EL MÁS HERMOSO

Siempre que se pone sobre la mesa algún título de calidad superior es seguro que Violet Evergarden será mencionada tanto por los fans como por los donadores de opinión y no era de extrañar que proviniera de uno de los estudios de animación mejor posicionados en la industria quien en su repertorio posee nombres que han dejado huella en la historia como Suzumiya Haruhi no Yuutsu, Lucky Star, CLANNAD, K-on! Junto a mi favorita, Hyouka.

El estudio Kyoto Animation se especializa en el género slice of life con ligeras experimentaciones con el spokon y la acción, desde sus inicios ha sido fácil reconocerlo a simple vista gracias al diseño de sus personajes los cuales resaltan por su delicadeza y extremo detalle que apostaba al movimiento realista aun cuando el método dejó de ser usado en su época, lo que nos hace pensar que tardaban más del doble de tiempo en su producción y que cada trabajo era — sigue siendo — uno de los más caros en el mercado, ahora saben por qué su técnica es especialmente apreciada en la actualidad.    

Si el estudio ya era conocido por entregar proyectos tan extraordinarios, ¿qué diferencia hubo en Violet Evergarden? Absolutamente todo. Cualquier persona que haya visto algún anime de los antes mencionados sabrá que no hay comparación además de otras particularidades como el uso de CGI y 3DCGI tomando en cuenta que una de las grandes características del estudio era la animación tradicional y su posición temerosa al hacer uso de nuevas tecnologías.

La calidad de animación puesta en Violet Evergarden no ha sido superada y tardará en ser dejada atrás al poner detalles dentro de los detalles, cosas que pasamos desapercibidas en la vida real son resaltadas en este anime perfectamente bien ejecutado y con elementos que son difíciles de encontrar incluso en películas de Makoto Shinkai. Estas dimensiones de importancia no estaban en mi reseña anterior, tranquilos, ya mi di un buen sermón.

NO TODO LO QUE BRILLA…

Puede que la Holie del pasado no tuviera los conocimientos suficientes para reseñar una serie de este nivel pero hay que darle crédito en algo que sigue siendo verdad: Violet Evergarden me mata del aburrimiento. Mucho cuidado, no estoy hablando desde la perspectiva de hace dos años pues desde entonces he visto la serie un par de veces, he regresado a consultar algunas escenas y la recomendé a cuanto ser viviente se movió por mi camino, sin embargo, llegué a las mismas conclusiones que están a punto de leer:

Violet es técnicamente superior a sus hermanos pero no goza del mismo privilegio que ellos al no tener un corazón con el cual empatizar, pongamos un ejemplo fácil: Hyouka es un anime slice of life y misterio cuyos personajes son extremadamente complejos e imposibles de desarrollar en apenas 22 capítulos, cada uno tiene algo que aportar a la historia y se nota a millas que la intención del autor era comprenderles poco para dejar volar tu imaginación.

Lo que ocurre en Violet a diferencia de Hyouka es que la búsqueda del significado del amor en los personajes que presenta es repetitiva e insuficientemente valiosa para el argumento general a tal punto que no pareciera concentrarse en la protagonista ni en los sentimientos que trata de exteriorizar sino hacerte sentir como espectador la clásica lástima barata que solo hacía llorar a los fans con alta sensibilidad (lo digo porque considero mi sensibilidad normal), ¿este ejemplo no basta? Revisemos a su competencia directa:

Mahoutsukai no Yome fue un anime transmitido en la Temporada de Otoño de 2017, una antes que Violet Evergarden en el que WIT había salido de su zona de confort entregando un proyecto de drama, fantasía y romance que le pisaba los talones en cuestiones de animación, la guerra entre los fans al compararlos era justificable al tener detrás un par de magnates con una propuesta similar pero entre ellos un claro ganador argumental alzaba la mano a favor de la pelirroja.

Chise era una protagonista igual de rota y herida que Violet que buscaba en otros el consuelo y significado de su existencia, la diferencia entre ambas es que la primera era corrupta y hostil logrando encontrar a alguien peor que ella y uno más que era justo su contraparte quien al final la ayudó a aterrizarse como un ser imperfecto merecedor del amor. En el caso de Violet es posible apreciarla en su pico de felicidad y desastre, sin embargo, el mensaje que te deja es el mismo con el que empezaste, de hecho es lo mismo que no haber visto nada provocando que todo el camino de reflexión fuera una pérdida de tiempo… eso es más triste que la historia en sí.

DOBLAJE Y MÚSICA INOLVIDABLE

Aún con mi amor-odio por esta serie debo admitir que el opening y el ending siguen siendo de mis favoritos en mi colección, la canción “Sincerely” de la cantante True muestra toda la intensidad y perturbación que Violet no pudo transmitir en su serie mientras que la pista “Michishirube” de Minori Chihara remarca la sensibilidad e inocencia, espero escucharlas nuevamente en su película.

No está de más decir que el anime y el OVA están disponibles en la plataforma de Netflix en idioma original o con doblaje latino en los que destacan nombres como el de Carla Castañeda, directora de doblaje (la que menos me gusta en el planeta pero es otro tema) y Andrea Arruti interpretando a Violet de quien lamentamos su reciente fallecimiento y apreciamos su trabajo, sean libres de elegir el audio de su preferencia aunque ambos son muy buenos.

EN CONCLUSIÓN

Violet Evergarden es un anime inolvidable por la excelencia de su animación, razón por la que es digna de analizar y reseñar de por vida, no obstante, el tema argumental no es satisfactorio, se siente crudo y no aporta nada interesante a comparación de sus hermanos o cualquier otra serie del género por lo que mis expectativas para la película es que este mal sabor de boca cambie, esta vez estoy lista para ti, ¿me corresponderás? Mantengo mi calificación de hace dos años con 8 pts de 10. Recuerden ver y leer otras reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.