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sábado, 18 de julio de 2020

Reseña: Japón se hunde

El 9 de julio de 2020 se estrenó a nivel mundial en la plataforma de Netflix este anime del cual demostré mis preocupaciones tras haber visto la primera emisión y debo adelantarles que esa opinión no cambió demasiado cuando la terminé, ¿cuáles fueron sus fallos y aciertos?, ¿vale la pena ver esta serie? Ya veremos. Cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY SPOILERS.

Nihon Chinbotsu 2020, Japan Sinks o Japón se Hunde como también es conocido es un anime original del género seinen de suspenso y colapso social1 cuya historia comienza después de los Juegos Olímpicos en la que un violento terremoto azota a Japón, en medio del caos, una familia de cuatro miembros escapan de la ciudad para enfrentarse a su nueva y horrible realidad, ¿tendrán la fuerza necesaria para sobrevivir?


ENGAÑO COLECTIVO

Amigos míos, les seré honesta… por muchos días he puesto resistencia a escribir esta reseña porque quería buscar una manera de plasmar mis palabras de forma cuidadosa, pero he fracasado y no tengo más opción que decirlas tal cual las tengo en mi mente: ya no puedo tolerar la publicidad engañosa, pues este anime se nos vendió como otra de las creaciones de Masaaki Yuasa y en lo que a mí respecta, vi todo excepto eso.

No es la primera vez que me quejo del tema, anteriormente lo hablé en mi reseña de Violet Evergarden Gaiden: Eternity and the Auto-Memory Doll, específicamente en el apartado “Ocultar no es lo mismo que mentir” donde algunos fanáticos habían mostrado su descontento hacia Konnichiwa Festival por omitir que era una película spin-off. A pesar de que esta situación con Netflix no es tan grave como el de la distribuidora, el problema de la omisión es el mismo.


Es verdad que el señor Yuasa encabeza el proyecto como director, incluso fue creado en su propio estudio de animación llamado Science Saru, pero nadie nunca mencionó que el señor Pyeon-Gang Ho sería el director de la serie, ¿cuál es la diferencia? Que las funciones del primero se enfocan en lo administrativo (gestión de puestos, presupuestos y calidad), y el segundo a lo ejecutivo, es decir, supervisa la realización del proyecto contribuyendo activamente tanto en la historia como en el guión, trabaja bajo el nombre de un estudio y es su responsabilidad defender sus intereses.

Ustedes y yo hemos estudiado el estilo técnico y narrativo de Masaaki Yuasa lo suficiente como para saber que Japan Sinks está muy alejado de su esencia, podemos usar como ejemplo las reseñas del exitoso anime de la Temporada de Invierno 2020Eizouken ni wa te wo Dasu na!  Y de la película Ride Your Wave de 2019, o el artículo dedicado a su trayectoria escrito por mi compañera Hana y editado por mí “Conociendo a: Masaaki Yuasa”.

Este anime se ve como una creación de Yuasa, huele a Yuasa, se siente como Yuasa… pero no lo es y eso me decepciona como reseñista, peor aún al usar su nombre como gancho para atraer espectadores aunque, por otro lado me alivia porque al menos quien no la ha visto, ya sabe que el criterio y las decisiones que aquí se evaluaron son las del señor Pyeon-Gang Ho. Hablemos del argumento:


LA CATÁSTROFE DEL SUSPENSO

A pesar de que fue el nombre del director el que atrajo el interés de la mayoría de los espectadores, muchos analistas no dejaron escapar la propuesta de la obra en sí, pues esta, además de ser una adaptación actualizada de la novela “Nihon Chinbotsu” de Sakyo Komatsu publicada en 1973, también prometía ser brutal y desgarradora en sus acontecimientos utilizando como género principal el suspenso, uno de los más difíciles de trabajar ya no solo por sus características sino por el talento que se necesitaría para ejecutarlo correctamente.

Si tuviera una palabra para describir el suspenso puesto en Japan Sinks esa sería “suficiente”, en el sentido que su narrativa tensional logra poner expectativas, sorpresas y en ocasiones ansiedad en quien lo mire; habrá capítulos donde los acontecimientos vayan a un ritmo acelerado y estén llenos de acción, mientras que otros se centren en el drama y refleje la desesperación, cansancio y frustración de los personajes, a tal punto que te sientes bendecido por no estar en su lugar o quizá pensar que a esas alturas, ya habrías perdido la cordura.

Asimismo, me gustó que utilizaran el recurso cliffhanger, el cual consiste en poner a uno o varios personajes en una situación extrema al final de un capítulo para causar incertidumbre y aumentar el deseo de continuar viendo, no obstante, una de las características del suspenso es que la trama tiene consistencia y astucia, cosas que Japan Sinks confunde con volverse predecible y demasiado conveniente en muchas ocasiones, en otras palabras, el guión tropieza cuando se resuelven problemas de la nada.


En lo más profundo de mi ser quiero pensar que esas deficiencias en el guión son inherentes a las propias deficiencias de su género, resumidas como “la paradoja del suspenso” que sucede cuando la narrativa tensional quiere tratar de sorprender, pero el espectador ya cuenta con suficiente información para saberlo de antemano, es como la clásica frase “no entres ahí”. Para evitar esto podemos tomar como ejemplo a Yakusoku no Neverland que es más cuidadoso con las pistas que revela o el anime Kanata no Astra que se vale de la narración enigmática al alargar resoluciones, pero poniendo actos repentinos en el medio de la trama.

La poca experiencia tanto del director Pyeon-Gang Ho como del guionista Toshio Yoshitaka también contribuyeron a esa falla y siendo realista, tampoco imagino al señor Yuasa lidiando con ella (razón por la que iba a ser interesante verlo), mucho menos cuando la esencia de la obra original era contextualizar la cultura japonesa de los años setenta y la adaptaron mediocremente a la actualidad. En general, este anime no me conmovió ni me perturbó como lo esperaba, aunque sí me entretuvo, es… un fracaso que funciona.


NO TODO ESTÁ PERDIDO

El apartado técnico fue quizá una de las pocas cosas que el señor Yuasa sí dejó en buenas manos, teniendo como única bandera de tregua al señor Naoya Wada a quien conocerán como el diseñador de personajes en Devilman Crybaby, desempeñándose en el mismo puesto en Japan Sinks, adicional de encargarse del guión gráfico (storyboard), como director de episodio e incluso director de animación.

El señor Wada fue capaz de representar personajes con expresiones faciales remarcadas, colocar poses y ademanes naturales, buenas proporciones a pesar de los pocos detalles y su tendencia a las deformaciones, sin mencionar la eficiencia en sus dibujos multitudinarios que, de prestar atención, es como si cada rostro transmitiera sus tragedias personales.


Tomando en cuenta lo anterior, también vale la pena destacar a su mano derecha, el señor Akira Honma quien fue el único que pudo explotar el potencial gráfico en capítulos importantes como el 1, el 6, 8 y 10, mismos que contribuyen a que Japan Sinks sea recordada para futuras referencias. Por otro lado, al ser un terremoto el foco de atención, era de esperarse un buen manejo de debris (escombros o ruinas) y así fue.

Se nota un esfuerzo en los detalles de los panoramas antes de que suceda la tragedia y una impresionante fotografía cuando termina el colapso, tuvieron que imaginarse grandes escenas de destrucción por las cuales se agradecen, así como una acertada paleta de colores neutra que no tuvo problemas en reflejar felicidad o desolación. No es la mejor ejecución técnica en el repertorio del señor Yuasa, pero se queda dentro de lo decente; los señores Wada y Honma la tuvieron difícil y lo superaron, bien hecho.


EN CONCLUSIÓN

Japan Sinks es apenas lo mínimo que prometía con una adaptación deficiente de la obra original, no obstante, su género es complicado de ejecutar y existieron capítulos destacables que cumplen con la función mainstream de entretener, no de revivir una obra de culto como leí en algunas reseñas; de igual forma tiene un apartado técnico eficiente que dejó sobresalir nombres semidebutantes que merecen ser recordados. Es por ello que recibe de mi criterio una calificación de 6 pts de 10. Recuerden ver y leer otras reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

1El colapso social se define como la caída de una sociedad humana compleja, es un subgénero de la ficción distópica y esta a su vez, es un subgénero de la ciencia ficción. Clasificar a Japan Sinks como ciencia ficción es correcto, pero no preciso, de ahí la razón por la que se utilizó el término.

miércoles, 8 de julio de 2020

Primeras Impresiones: Great Pretender

Tengo registrado que fue el pasado 2 de junio cuando Netflix Japón emitió la primera mitad de este anime pero hoy es la fecha oficial de su estreno así que a pesar de que tenga muchas cosas que quisiera decirles, únicamente me enfocaré en su primera emisión, aquí están mis primeras impresiones:

Voy a hacer una declaración que espero no los haga dar un grito ahogado: creo que WIT hizo lo correcto con abandonar a Shingeki no Kyojin al ser una carga excesiva de trabajo y enfocarse en proyectos originales para los que son ridículamente buenos, a tal punto de poner sobre Great Pretender toda la artillería que tienen a su alcance, explico:


El nombre que sale a relucir además del estudio es el de su diseñador de personajes, el señor Yoshiyuki Sadamoto a quien todos conocen por ser uno de los fundadores del estudio Gainax y por desempeñarse en el mismo papel con el anime Evangelion, razón por la que los personajes tienen un estilo más caricaturizado de lo normal, eso agregando el talento innato en el diseño de fondos con el que WIT es muy fácil de identificar dentro del gremio de las leyendas; también panoramas y fotografías con excelsos detalles y una paleta de colores en tonalidades cálidas que será muy característica a partir de aquí.

De igual forma, mantienen la misma calidad de animación a la que nos tienen acostumbrados utilizando formatos digitales en mayor o menor medida dependiendo el arco argumental en el que se encuentren porque sí, la trama va por arcos y todos son geniales… perdón, me adelanté. Los formatos que utilizaron fueron el 3D y 3DCG especialmente en secuencias dinámicas, pero les ha de alegrar que ponen mayor énfasis al 2D resaltando todos los beneficios que tiene.


En cuanto a la trama y dada la temática que maneja estará llena de giros argumentales que te mantienen a la expectativa mientras te hace carcajear en el proceso, entretenerte con un sutil fanservice o sentir empatía por el protagonista (al menos en el primer episodio). Se nota el gran presupuesto que tiene gracias a que podemos escuchar diferentes idiomas como el japonés, inglés, español y francés; impresionante y entretenido son las palabras que estaba buscando para definirlo.

Respecto a la música, creo que a estas alturas la mayoría sabrá que en el ending han puesto la canción de “Great Pretender” del cantante Freddie Mercury que espero tenga la misma suerte que Kakushigoto de la Temporada pasada en los conteos musicales; el opening fue un instrumental y no está de más decir que la música de fondo es acorde al país donde se encuentren los personajes, les recomiendo prestar atención.

En conclusión, estoy segura de que Great Pretender formará parte de los grandes animes de uno de los mejores estudios de la década, con una propuesta difícil de crear sin ser predecibles y un apartado musical como no lo habíamos visto en mucho tiempo, definitivamente es un “must” en esta Temporada así que no se lo pierdan por nada del mundo.

jueves, 25 de junio de 2020

Reseña: Brand New Animal

Se suponía que este anime sería uno de los más prometedores de la Temporada de Primavera 2020 y terminó pasando desapercibido por la mayoría de los espectadores o declarado como uno de los peores estrenos, temo que la mayoría tienen razón así que revisemos lo que salió mal. Cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY SPOILERS.

BNA: Brand New Animal es un anime original del género de acción y fantasía cuyo mundo se divide entre humanos y hombres bestia donde los últimos son discriminados y no tienen otro lugar donde ser ellos mismos salvo “Anima City”. Un buen día y sin explicación alguna, Michiru se convierte en una chica mapache y decide refugiarse en esa ciudad, ahí conoce al lobo Shirou y juntos comienzan una investigación que podría demostrar que los habitantes corren peligro.


MENOS ES MÁS INCLUSO EN LO EXPERIMENTAL

Como ustedes sabrán, al principio esta serie se ganó el interés de una buena parte de los fanáticos por provenir del estudio Trigger a quien se le atribuyen grandes obras como Darling in the Franxx y Kill la Kill, sin embargo, un nombre pudo sobresalir más que el propio estudio y ese fue el de su director: el señor Yoh Yoshinari que anteriormente estuvo a cargo de Little Witch Academia.

Describir el estilo de Trigger es básicamente hablar del estilo del señor Yoshinari el cual se caracteriza por una animación experimental en la que los personajes tienden a demostrar demasiada elasticidad en los movimientos al punto de lucir deformes, una paleta de colores diversa y un diseño minimalista. En el caso de BNA fue posible ver secuencias de acción pero las características antes mencionadas estropearon los detalles minimalistas haciéndolo lucir como una goma de mascar que explotó en la pantalla en lugar de algo que causara emoción.

No me malinterpreten pues si tomamos en cuenta los 7 elementos oficiales de la animación experimental lo cierto es que los cumple todos a menor o mayor medida como la continuidad no específica, la abstracción y los estilos múltiples, no obstante, saturar las percepciones visuales del espectador nunca es beneficioso. Me habría gustado una modificación en la paleta de colores en esas escenas para que fueran los personajes los que brincaran a la vista y no al revés, tal como el señor Yoshinari lo hizo con Tengen Toppa Gurren-Lagann del estudio Gainax, punto a considerar.


SUSTITUCIÓN FORZADA

Si bien el desempeño técnico no fue lo mejor que hemos visto del estudio Trigger como el señor Yoshinari admitió en una entrevista que analizaremos, sigue siendo de una calidad superior que otros han imitado sin el mismo éxito por lo que el verdadero problema, al menos para mí, fue en la historia que presentaron al cometer el error que algunos autores posicionados en el medio hacen al copiar y pegar elementos de obras anteriores tal como lo mencioné en la reseña del manga Furi Fura de Io Sakisaka:

“Hacer obras que se parecen a otras es como ser un diseñador de moda que vende la misma camisa de diferente color, con el tiempo aburre, lo hace predecible y la creatividad se estanca sin mencionar que los consumidores pueden quedarse igual o disminuir pero nunca incrementar (…)” (Masson, 2020).

Ahora, la entrevista que realizó el sitio web Otaquest al señor Yoshinari el 5 de mayo de 2020 acerca del proyecto BNA reveló aspectos importantes que nos deja el contexto en el que se desenvolvió como los planes originales de hacer un segunda temporada para Little Witch Academia que al final no procedió por la falta de personal, explicando así el bajo rendimiento técnico al que nos tenían acostumbrados junto al hecho de que el director y el escritor Nakashima demoraran en crear en una idea sólida que igualmente se modificaba al paso de la producción.


En resumen, esa entrevista nos da a entender que tenían prisa, poco personal y un anime de referencia para sustentarse y sustituir sin mucha aceptación, las palabras del señor Yoshinari al respecto son las siguientes:

“Intentamos mantener a Michiru lo más normal posible. Si ella ha establecido motivos desde el principio, se convierte en este personaje especial, que quita el foco de atención en la historia. De esa manera estaba tratando de hacerla un personaje diferente a Akko de Little Witch Academia. Sin embargo, mientras trabajaba con el señor Nakashima, ella terminó teniendo ciertos rasgos que son similares a los de Akko” (Otaquest, Fujitsu, 2020).

La trama de Brand New Animal tiene por objetivo mostrar los problemas sociales y políticos de su mundo al lado de una protagonista que desea hacer lo posible para ayudar pues si Anima City se desmorona, ella también. Por otro lado, es un anime que no deja de poner temas sobre la mesa y acaba por no ser bueno en ninguno porque sí, la decadencia social está ahí pero los problemas personales de la protagonista nos distraen a pesar de que no sean igual de relevantes, adicional que personajes secundarios que no aportan nada nunca dejaron de aparecer.


Ver Brand New Animal fue como buscar un tesoro en el fondo del mar sin un equipo de buceo, sabes que la recompensa está ahí pero nunca serás capaz de llegar a él, encima de eso hay un barco que se quema en la superficie y un tiburón que quiere comerte mientras un calamar gigante te sujeta manos y pies. Es trágico, desesperante y predecible, ¿quién sobrevive a eso? Nuevamente, el señor Yoshinari lo explica:

“El señor Nakashima es muy bueno para incluir muchas cosas en la historia, así que creo que podría haber agregado demasiados elementos. Sin embargo, como con cualquiera de las tramas del señor Nakashima, habrá muchos cambios rápidos en la segunda mitad de la historia. Muchos desarrollos inesperados, y cosas que te harán decir ´Espera, ¿qué?, ¿así es cómo se desarrollará?´. Espero que puedan verlo” (Otaquest, Fujitsu, 2020).


EL GOLPE DE GRACIA

En cuanto al apartado musical temo que tengo una buena y mala noticia… la buena es que fueron incluidos en los conteos musicales y la mala es que no obtuvieron buenos lugares; el opening fue interpretado por la seiyuu de Michiru: Sumire Morohoshi con el tema “Ready To” mientras que el ending fue una colaboración entre Shin Sakiura con AAAMYYY con la canción “Night Running” con la que mantengo lo que dije en mi artículo musical:

“Una buena razón por la que es menos frecuente “romper las fronteras” entre la música diegética (la que perciben los personajes) y la extradiegética (la que está en el mismo plano del espectador) es que ante las repeticiones de la pista se vuelve molesta en lugar de nos parezca familiar. Incluso si las intenciones son buenas nunca se debe abrumar al espectador sino darle el impacto que merece la canción con solo una escena específica o una mejor animación en el cierre” (Masson, 2020).


EN CONCLUSIÓN

Brand New Animal es un anime que empezó tan mal como terminó aunque un buen director y estudio de animación estuviera a sus espaldas, con una historia confusa en la que no sabes si el problema es serio explicado de una forma infantil o con personajes infantiles tratando de resolver un problema serio… no hablaré de la música porque también es terrible y molesta. Es por ello que recibe de mi criterio una calificación de 6 pts de 10. Recuerden ver y leer otras reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

REFERENCIAS

     Fujitsu, R. (2020) “Entrevista con Yoh Yoshinari, director de BNA: Brand New Animal”. Otaquest. Estados Unidos. Recuperado el 25 de junio de 2020 de: https://www.otaquest.com/yoh-yoshinari-bna-brand-new-animal-interview/
     Masson, H. (2020) “Reseña: Furi Fura”. Estación Geek. México. Recuperado el 25 de junio de 2020 de: https://estaciongeek.com/manganifico-furi-fura/
     Masson, H. (2020) “Endings de la Temporada de Primavera 2020”. Estación Geek. México. Recuperado el 25 de junio de 2020 de: https://estaciongeek.com/top-10-endings-de-la-temporada-primavera-2020/

domingo, 26 de abril de 2020

Recomendación Rándom IV: 3 Animes que Debes Ver

Luego de una merecida semana de descanso es tiempo de regresar con uno de los artículos que me da mucho gusto hacer y es que la Temporada pasada fue una locura para mí porque tenía en lista más animes de lo usual, asistí a varias funciones de Konnichiwa Festival y por supuesto, atendí todos y cada uno de sus pedidos por los cuales estoy muy agradecida. Ahora por la difícil situación del mundo algunos estarán hambrientos de entretenimiento así que es una buena oportunidad para recomendarles los siguientes títulos, empecemos. Cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY SPOILERS.


3.- Suisei no Gargantia

Género: shounen, mecha y ciencia ficción – Estudio: Production I.G – Episodios: 13 con 4 OVAS – Plataforma: Crunchyroll – Calificación: 9/10

Con el objetivo de preservar su existencia, la humanidad se ha mudado al espacio y ha formado la Alianza Galáctica la cual se encarga de eliminar especies alienígenas conocidas como Hideauze pilotando robots humanoides sumamente avanzados. Fue en una de estas batallas que el Segundo Teniente Ledo es derribado junto a su robot Chamber aterrizando en un extraño planeta llamado Tierra donde sorpresivamente conoce una sociedad tecnológicamente primitiva, ¿qué hará Ledo para regresar a la batalla?, ¿qué oscuros secretos le han ocultado toda su vida?

Si bien la premisa es clásica dentro del subgénero mecha, puede ser admirada y reconocida por dos razones: la primera es su extraordinaria animación tanto en las secuencias de acción como de situaciones cotidianas y cómicas que generalmente resaltan los diseños mecánicos provenientes del estudio que dio vida a otras obras memorables como Guilty Crown, Psycho-Pass y Haikyuu.

Trabajaron de forma excelente diferentes formatos de CGI que para la época (2013) todavía estaban en pañales haciéndolo lucir más reciente de lo que es, me gusta que sus personajes sean identificables y sobresalgan a pesar de la paleta de colores cálida junto a la enorme variedad de escenarios espaciales, terrestres y acuáticos, en general fue muy satisfactorio ver exactamente la definición de “esfuerzo”.

La segunda razón son sus incontables giros argumentales que son capaces de compensar los clichés sin recurrir a dramas innecesarios aunque sí tienen una reflexión sádica y cruda de lo que la humanidad es capaz de hacer para sobrevivir y de cómo otros pueden replicarlo sin dudar. No creo que sea una historia revolucionaria, tampoco culparía a quien le parezca predecible pero al menos disfruté todas las ocasiones en que mi quijada se cayó al suelo cuando te revelan pistas de la verdad, si su música fuera mejor le habría dado una calificación perfecta.


2.- Mugen no Juunin: Immortal

Género: seinen, gekiga y jidaigeki – Estudio: Liden Films – Episodios: 24 – Plataforma: Amazon Prime Video – Calificación: 10/10

Este anime es un remake de Mugen no Juunin del año 2008 que tiene como protagonista a Manji, un guerrero que mató a 100 samuráis y quien como castigo recibe el don de la inmortalidad, para lograr redimirse tendrá que matar a mil hombres malvados mientras siente el dolor de ser asesinado una y otra vez. Dispuesto a aceptar su destino se encuentra con la desesperada y malherida Rin Asano cuya familia fue destruida por sus rivales de dojo: Ittou-ryuu el cual pretende despojar a otras escuelas de esgrima en Japón, será así que unirán fuerzas y pelearán con quien sea necesario con tal de detener sus crímenes, que la venganza comience.

Este anime pertenece a la Temporada de Otoño 2019 que obtuvo mis primeras impresiones pero no una reseña final completa porque quería revisar a su antecesor así que con la información completa, ahora puedo decirles con seguridad que no es obligatorio ver la versión del 2008 porque la actual cubre mejor y más acontecimientos que la original.

Ahora, seguramente se estarán preguntando qué rayos significa lo escrito en el género, déjenme explicarles: seinen es el género demográfico que indica estar enfocado a un público maduro pues el anime tiene una trama hostil que incluye asesinatos gráficos, entrañas, huesos rotos, intentos de violación y vocabulario no apto para menores o personas sensibles, aunque Amazon tenga un aviso antes de comenzar cada capítulo, es mi obligación mencionárselos también, ¿okay?

El género temático gekiga hace referencia a un dibujo tosco, remarcado y lleno de detalles en el rostro de los personajes, se le atribuyen expresiones faciales profundas con una proporción más realista donde a veces es posible ver su estructura muscular, otros animes como Kakegurui y el manga de Dorohedoro son adeptos del estilo. En cuanto al jigaigeki es un género temático que simplemente señala contenido histórico específicamente del periodo Edo. Hoy aprendieron mucho, ¿verdad? Saber clasificar te da tanta información como una sinopsis, si tienen ambas consideren haber visto la mitad del anime.

En resumen, si estás buscando una historia con alto contenido violento y un formato de animación tradicional, esto es para ti, obviamente tiene gratificantes secuencias de acción, un buen desarrollo de personajes y la amarga verdad histórica de cómo eran las luchas de entonces: sin escrúpulos, vacías de empatía pero llenas de rencor así como un lado opuesto como el perdón, la resiliencia y la culpa. Un gran anime que los amantes del seinen no pueden perderse.


1.- Kengan Ashura

Género: seinen de acción – Estudio: Larx Entertainment – Episodios: 24 (2 cours) – Plataforma: Netflix – Calificación: 10/10

Puede que para la gente común no sean más que negocios exitosos y bien establecidos pero para los empresarios, esos negocios son una pieza adicional para usar en un juego de poder mundial que está en busca de un nuevo sucesor, para participar, los CEO´s deberán apostarlo todo y contratar peleadores extraordinarios que luchen mano a mano en su nombre dentro de un coliseo. Entre esos luchadores se encuentra Tokita Ohma, un joven con sus propios objetivos cuyo jefe es un pobre y deprimido señor que es engañado para entrar en la competencia, ¿qué podrán hacer ellos contra sus peligrosos oponentes?

Como amante de las batallas mucho había oído hablar de este título, sin embargo, tenía varias prioridades que me hicieron posponerlo hasta que por casualidad escuché su opening en YouTube y… quedé enamorada, fui a verlo enseguida y lo devoré como si no hubiera un mañana. Eso sí, una vez entré al fandom me di cuenta que todavía había conflictos con el formato 3DCGI de los personajes pero amigos míos, poco o nada importa cuando la animación está bien ejecutada, humanizada y por sobre todas las cosas, tan brutal y violenta como en lo personal me gusta.

Como espectador me interesa y es de mi preferencia que en las peleas se pueda apreciar la coreografía de lejos y de cerca, que se escuche y transmita la dureza de los golpes, que se rompan huesos y desgarren músculos, en resumen, todo lo que una buena batalla cuerpo a cuerpo debería de ser en lugar de bailes llenos de lucecitas y drama evangelizador intrascendente. No digo que esta serie sea perfecta o mejor que otras, recalco que es la clase de historia que va al grano y su intención no es otra que cumplir con los caprichos de su protagonista a la par que te intrigan otros personajes.

Como dije anteriormente, este anime está dirigido para un público maduro que desee entretenimiento fácil y violento junto a referencias sexuales, cómicas y poco profundas. La disfrutarás más si solo te sientas en el sofá con comida y bebida, dispuesto a ver el mejor despilfarro de testosterona que Netflix tiene para ofrecer. Estoy ansiosa por una continuación.


Con ello ha terminado este pequeño conteo que espero tengan la oportunidad de revisar mientras esta contingencia disminuye, aprovecharé esta oportunidad para traerles todo el contenido que no pude publicar desde la Temporada pasada así que cuídense mucho, sigan las indicaciones de salud y pasen tiempo con su familia en casa. Recuerden ver y leer otras reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

viernes, 13 de marzo de 2020

Reseña: Beastars

¿Alguna vez se han preguntado cómo fue que Evangelion y Akira llegaron a ser consideradas obras maestras? De este tema pienso hablar en un artículo próximamente pero me será inevitable abordarlo en esta serie. Obviamente declarar una obra como tal necesita de una revisión exhaustiva de expertos aparte de cumplir ciertos requisitos, es algo que está fuera de mi control y de cualquier otro de nosotros, sin embargo, como fans y donadores de opinión tenemos la opción de proponer un título para su consideración.

Es por lo anterior que hasta donde mi capacidad me permite quiero declarar a Beastars como una obra superior a cualquier otra que haya visto en su género, pondré las manos al fuego por ella y a continuación sabrán algunas razones de mi decisión pero solo podrán estar de acuerdo o no cuando la vean ustedes mismos, empecemos. Cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY SPOILERS.

Beastars es un anime del género seinen y drama cuyo mundo está lleno de animales antropomórficos que se divide entre carnívoros y herbívoros. Legoshi, un tímido y amable lobo gris acaba de perder a Tem, una alpaca que consideraba un amigo y compañero del club de teatro; mientras el caso se resuelve la tensión entre las especies incrementa, ¿será un mal momento para enamorarse de un herbívoro?


ANIMACIÓN EXTRAORDINARIA

Con la emisión de Kimetsu no Yaiba es un hecho que el mundo actual, independientemente de la generación con sus contadas excepciones, está preparado para aceptar y estandarizar la animación digital, la experimental y apreciar con más detenimiento la tradicional. En el caso del shounen antes mencionado fue increíble ver cómo se daba un paso adelante en la calidad de las peleas pues es una de las cosas más difíciles de hacer y que son muy apreciadas por el público, no cabe duda que se convirtió en algo que los otros estudios deberán igualar y con el tiempo superar… pues bien, lo mismo está pasando con Beastars.

La animación de Beastars proviene del estudio Orange quien a pesar de tener un catálogo decente nunca había destacado con un anime en particular, me hace pensar que la colaboración con Netflix incrementó el presupuesto considerablemente y optaran, como ellos están acostumbrados, a una animación digital en CG y CGI. Si bien fue un movimiento arriesgado que rara vez sale bien del todo, hicieron un excelente trabajo al dejar las decisiones importantes en manos del estudio japonés.

No verán un formato tosco y acartonado como en High Score Girl sino un anime de calidad superior que nada tiene que envidiarle a los grandes; la fluidez de movimiento es palpable y está cuidada hasta el mínimo detalle, puedes sentir las emociones de los personajes aunque ellos no digan nada al igual que poner énfasis en las expresiones faciales fue la razón por la que no puedes parpadear en cada capítulo, fue hermoso de ver y estará entre mis favoritos por mucho tiempo, bien hecho.


LAS PALABRAS EN LA PIEL

Uno de los aspectos que verán repetido por los lectores del manga en sus recomendaciones es el guión, antes del estreno de la serie no dejaban de hablar acerca de lo bueno que era y una vez visto el primer episodio les aseguro que tenían razón. El lenguaje usado en el anime es maduro (de ahí su clasificación como un seinen) y dependiendo de la situación particular del espectador serás capaz de amar, odiar, empatizar y juzgar las decisiones y sentimientos de los personajes.

Me gusta que cada capítulo te retenga con algo interesante, que te mantenga al filo del asiento por la tensión y no puedas esperar al siguiente episodio ni mucho menos a la próxima temporada. De igual forma es mi obligación mencionarles que contiene escenas con violencia moderada, eróticas y sugerentes por lo que no importa lo inofensivo que parezca, deberán mostrar discreción con los menores de edad y tenerlo a consideración si eres una persona sensible.


Es por esos momentos estremecedores los que hacen valer la pena verlo aunque no te consideres fan del género, el anime es transgresor con diferentes temas como la desigualdad, las clases sociales e incluso con la equidad de género, los debates que surgieron a causa de un personaje en particular (la coneja) pudieron dividir al público entre los que están a favor de sus decisiones y los que no, fue muy interesante y espero que los haga pensar igual que a mí.

LA EXPERIMENTACIÓN A OTRO NIVEL

He visto muchísimas series y es la primera vez que una de ellas tiene un opening en formato stop-motion que por supuesto ganó el primer puesto en los conteos de su Temporada y del año 2019, puedo imaginar el tiempo invertido para que quedara de esta forma así que de corazón les recomiendo que no se lo salten y busquen la versión completa. Asimismo, los diferentes endings a cargo de la cantante YURiKA son excelentes y están disponibles para su compra siendo mis favoritos “Le Zoo” y “Marble”.


EN CONCLUSIÓN

Cuando tienes mucho tiempo viendo anime y en gran cantidad es sencillo identificar a las obras que destacan por encima de otras, como donadores de opinión lo menos que debemos hacer es dejarnos llevar por el hype y siempre dejar la palabra final al espectador con nuestra guía. Beastars me ha impresionado completamente por su calidad de animación, música e historia, es un conjunto de los deseos del autor, la experiencia del director y el trabajo en equipo del estudio que sin duda me encantará seguir viendo, se las recomiendo profundamente. Es por ello que recibe de mi criterio una calificación de 10 pts de 10.
Recuerda ver y leer otras reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

miércoles, 11 de marzo de 2020

Reseña: Hi Score Girl (2018-2019)

Amigos míos, estoy muy feliz de decirles que esta reseña fue una petición de uno de ustedes desde finales de 2019 pero por temas de agenda apenas pude publicarla en este momento, quiero que sepan que todas sus recomendaciones las reviso con apuro y si esa persona me lo indica, le escribo una reseña así que sean libres de dejar un tema para un artículo, manga, novela, anime o película en los comentarios o enviarme un mensaje privado, les estaré agradecida de corazón, empecemos. Cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY SPOILERS.

Hi Score Girl es un anime conformado de dos temporadas del género seinen, romance y comedia cuya historia comienza en los años 90 donde los juegos de arcade tienen su época dorada y de los que Haruo Yaguchi se considera un gran jugador fanático de los títulos de lucha, fue en uno de estos centros de juego que él descubre a su misteriosa compañera de clase arrebatándole el récord de puntos que tanto trabajo le costó conseguir dejando nacer entre ellos una rivalidad, ¿será capaz de vencerla?


MIS PREJUICIOS DEL ANIME

¿Saben qué tienen en común los animes Hi Score Girl, Twin Star Exorcist y Karakai Jouzo no Takagi-san? Bueno, además de tener como protagonistas a un chico y una chica con ciertos roces al principio de la historia también los he dropeado tras ver el primer episodio, se trata de un mal hábito que tenemos los consumidores pero que como reseñista no me lo permito pues uno de mis principios es no emitir un juicio a menos de haber finalizado un producto y aprovecho para motivarles a no hacerlo, ¿se imaginan todas las buenas series de las que me hubiera perdido?

La razón del abandono en los tres casos fue la explicación lenta de los acontecimientos y el posible rumbo que se tomará así como personajes que parecen irrelevantes a primera vista, eso sin agregar el escándalo que envolvió a Hi Score Girl dejándome un mal sabor de boca y sin ganas de saber más de ella, sin embargo… estaba bastante equivocada, les explicaré el contexto:


LOS ESCÁNDALOS DEL MANGA

Era el año 2014 cuando el manga yacía en los primeros lugares de popularidad para los lectores masculinos y con ventas extraordinarias luego de pocos volúmenes publicados por lo que la noticia velozmente propagada de que la División del Consumidor y Crimen Económico de la Policía de Osaka apareció repentinamente en las oficinas de Square Enix en Tokio para confiscar la obra debido a una infracción de copyright emitido por SNK Playmore nos tomó a todos por sorpresa.

Dicha entidad de videojuegos levantó una demanda por el uso no autorizado de personajes de títulos como The King of Fighters o Samurai Spirits (AsukA, 2014) haciendo que Square Enix retirara voluntariamente el material de la mayoría de sus canales de distribución. Con los rumores propagados por los fanáticos acerca de una posible creación de un anime y las declaraciones por parte de otras empresas como CAPCOM, SEGA y Bandai Namco Games que afirmaban haber sido notificados para el uso de referencias pudieron ser pilares clave para que SNK Playmore finalmente cediera con la demanda y permitiera la continuación de planes.

En el año 2018, la primer temporada de Hi Score Girl salió a la luz y en 2019 se transmitió una segunda temporada sin notificaciones de una tercera u otra clase de continuación, en general tuvo un recibimiento cálido y pasó a la historia como uno de los mejores animes de la Temporada de Verano, todo un drama, ¿verdad?


EL ESTILO DE ANIMACIÓN

El estudio a cargo de su producción fue J.C Staff quien es conocido en la industria por crear animes en masa y muchas veces correr proyectos a la vez con una calidad media pero cuando encuentra obras prometedoras o con índices de éxito asegurados tiende a ponerles más atención y empeño con una calidad media-superior como Shokugeki no Soma, Danmachi e incluso el inesperado acierto de To Aru Majutsu no Index que no ha hecho otra cosa que mejorar conforme se emiten secuelas.

Debemos admitir que aún en el 2020 la percepción de los fanáticos y donadores de opinión acerca del formato 3DCGI es conservadora, sin mencionar que se desarrolla tan rápido que es difícil estar actualizado en términos técnicos, programas y nuevas tecnologías. Hasta el año 2018 funcionaba bien con ponerlo en ciertas escenas clave de contados capítulos de anime por lo que ver anunciado un trabajo que entraría de lleno con esa animación desanimó a una buena parte de los espectadores, nuevamente yo incluida.

No nos engañemos, Hi Score Girl gozó de todas las deficiencias del formato 3DCGI con expresiones faciales que se limitaban a las básicas y no paraban de repetirlas, los movimientos fueron acartonados y con una paleta de colores así de brillante no lo hacía lucir “retrogaming” como J.C Staff pretendía que fuera sino como un experimento extraño que afortunadamente se pudo salvar gracias a todas las referencias de los videojuegos de pelea, fue un riesgo y a la vez la mejor decisión que pudieron tomar en ese momento, bien hecho.


TODO LO QUE REPRESENTA

Pegarle en el hígado a los espectadores con el guante de la nostalgia junto a las referencias reales de los videojuegos, trucos y datos curiosos no son la única razón por la que vale la pena ver esta serie pues el argumento siempre mostró un tono evolutivo, maduro y profundo con sus personajes que te hacen analizar el papel que juegas en tu círculo cercano y la huella que les dejas en su corazón seas consciente o no.

Como siempre he de decirles que su manga está clasificado como una comedia romántica, sin embargo, en lo que al anime respecta es un término equivocado a causa de su protagonista: Haruo es un estudiante con pocos amigos cuyo único interés son los videojuegos, no es el mejor jugador, tampoco el más atractivo ni mucho menos el más listo pero es capaz de reconocer su debilidad, plantearse metas realistas a corto plazo y que solo son relevantes para él.


Admito que lo odié al principio porque me pareció un idiota insensible, no obstante, al escucharlo hablar apasionadamente de lo que le gusta, es decir, de los videojuegos, terminé por identificarme con su situación porque para mí y para cualquiera de nosotros debe ser demasiado atractivo ver una sonrisa que se dibuja sola con algo y que nadie más entiende tanto como tú… aunque lo intentan. Ese es el mensaje con el que me quedo y si se lo preguntan, soy team Koharu sin importar nada (sí, ya sé, no den spoilers).

MÚSICA NIVEL SÚPER MALO

No crean que evitaré hablar de esto, Hi Score Girl es por mucho una de las series con la peor banda sonora que he escuchado, posiblemente esté entre los primeros puestos de pistas que me hicieron sangrar los oídos y si pudiera lo borraría de mi memoria. Me encantan los videojuegos de pelea, su animación y el romance me parece maravilloso pero la música… la música es… es terrible para mí, bendito sea el botón de “saltar intro”. Me temo que lo único rescatable es el primer ending.


EN CONCLUSIÓN

Me atrevo a decir que Hi Score Girl es la única serie de anime que ha abordado el tema de los videojuegos retro con tanto éxito a pesar de los escándalos y deficiencias técnicas, supieron aprovechar la granada de la nostalgia con personajes que te transmiten mensajes diferentes que funcionan en conjunto, como espectador lamentas no poder ver más aunque estoy muy feliz de agregarla a mi colección con una recomendación absoluta. Esta serie recibe de mi criterio una calificación de 8 pts de 10.
Recuerden ver y leer otras reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.

Referencias:
AsukA (2014) “El Manga de Hi Score Girl es Retirado Tras una Demanda de Copyright de SNK”. Koi-Nya. Recuperado el 19 de enero de 2020 de: https://www.koi-nya.net/2014/08/11/el-manga-de-hi-score-girl-es-retirado-tras-una-demanda-de-copyright-de-snk/

jueves, 27 de febrero de 2020

Reseña: Violet Evergarden

Fue el miércoles 4 de abril de 2018 cuando finalizó el anime técnicamente más hermoso de la historia y la única razón por la que sé eso es porque yo fui su reseñista en ese entonces, era una novata y obviamente después de tanto tiempo esa reseña es inservible (da pena ajena, siendo honesta), es por eso que hoy quiero entregarles la revisión completa que merece su serie en conmemoración al próximo estreno de su película los días 14, 15 y 16 de febrero de 2020 a cargo de Konnichiwa Festival en sucursales Cinépolis, será un placer regresar así que comencemos. Cabe mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY SPOILERS.

Violet Evergarden es un anime conformado de 13 episodios y 1 OVA del género de drama y slice of life en el que Violet busca reintegrarse a la sociedad luego de haber peleado en la guerra, con ambas manos completamente mecánicas y turbios recuerdos que le dejaron las palabras “te amo” , ella les dará significado trabajando como una Auto Memory Doll, es decir, damas que redactan cartas de otras personas con el fin de transmitir sus sentimientos, ¿qué le habrá querido decir aquél hombre?


EL MÁS HERMOSO

Siempre que se pone sobre la mesa algún título de calidad superior es seguro que Violet Evergarden será mencionada tanto por los fans como por los donadores de opinión y no era de extrañar que proviniera de uno de los estudios de animación mejor posicionados en la industria quien en su repertorio posee nombres que han dejado huella en la historia como Suzumiya Haruhi no Yuutsu, Lucky Star, CLANNAD, K-on! Junto a mi favorita, Hyouka.

El estudio Kyoto Animation se especializa en el género slice of life con ligeras experimentaciones con el spokon y la acción, desde sus inicios ha sido fácil reconocerlo a simple vista gracias al diseño de sus personajes los cuales resaltan por su delicadeza y extremo detalle que apostaba al movimiento realista aun cuando el método dejó de ser usado en su época, lo que nos hace pensar que tardaban más del doble de tiempo en su producción y que cada trabajo era sigue siendo uno de los más caros en el mercado, ahora saben por qué su técnica es especialmente apreciada en la actualidad.    


Si el estudio ya era conocido por entregar proyectos tan extraordinarios, ¿qué diferencia hubo en Violet Evergarden? Absolutamente todo. Cualquier persona que haya visto algún anime de los antes mencionados sabrá que no hay comparación además de otras particularidades como el uso de CGI y 3DCGI tomando en cuenta que una de las grandes características del estudio era la animación tradicional y su posición temerosa al hacer uso de nuevas tecnologías.

La calidad de animación puesta en Violet Evergarden no ha sido superada y tardará en ser dejada atrás al poner detalles dentro de los detalles, cosas que pasamos desapercibidas en la vida real son resaltadas en este anime perfectamente bien ejecutado y con elementos que son difíciles de encontrar incluso en películas de Makoto Shinkai. Estas dimensiones de importancia no estaban en mi reseña anterior, tranquilos, ya mi di un buen sermón.


NO TODO LO QUE BRILLA…

Puede que la Holie del pasado no tuviera los conocimientos suficientes para reseñar una serie de este nivel pero hay que darle crédito en algo que sigue siendo verdad: Violet Evergarden me mata del aburrimiento. Mucho cuidado, no estoy hablando desde la perspectiva de hace dos años pues desde entonces he visto la serie un par de veces, he regresado a consultar algunas escenas y la recomendé a cuanto ser viviente se movió por mi camino, sin embargo, llegué a las mismas conclusiones que están a punto de leer:

Violet es técnicamente superior a sus hermanos pero no goza del mismo privilegio que ellos al no tener un corazón con el cual empatizar, pongamos un ejemplo fácil: Hyouka es un anime slice of life y misterio cuyos personajes son extremadamente complejos e imposibles de desarrollar en apenas 22 capítulos, cada uno tiene algo que aportar a la historia y se nota a millas que la intención del autor era comprenderles poco para dejar volar tu imaginación.

Lo que ocurre en Violet a diferencia de Hyouka es que la búsqueda del significado del amor en los personajes que presenta es repetitiva e insuficientemente valiosa para el argumento general a tal punto que no pareciera concentrarse en la protagonista ni en los sentimientos que trata de exteriorizar sino hacerte sentir como espectador la clásica lástima barata que solo hacía llorar a los fans con alta sensibilidad (lo digo porque considero mi sensibilidad normal), ¿este ejemplo no basta? Revisemos a su competencia directa:


Mahoutsukai no Yome fue un anime transmitido en la Temporada de Otoño de 2017, una antes que Violet Evergarden en el que WIT había salido de su zona de confort entregando un proyecto de drama, fantasía y romance que le pisaba los talones en cuestiones de animación, la guerra entre los fans al compararlos era justificable al tener detrás un par de magnates con una propuesta similar pero entre ellos un claro ganador argumental alzaba la mano a favor de la pelirroja.

Chise era una protagonista igual de rota y herida que Violet que buscaba en otros el consuelo y significado de su existencia, la diferencia entre ambas es que la primera era corrupta y hostil logrando encontrar a alguien peor que ella y uno más que era justo su contraparte quien al final la ayudó a aterrizarse como un ser imperfecto merecedor del amor. En el caso de Violet es posible apreciarla en su pico de felicidad y desastre, sin embargo, el mensaje que te deja es el mismo con el que empezaste, de hecho es lo mismo que no haber visto nada provocando que todo el camino de reflexión fuera una pérdida de tiempo… eso es más triste que la historia en sí.


DOBLAJE Y MÚSICA INOLVIDABLE

Aún con mi amor-odio por esta serie debo admitir que el opening y el ending siguen siendo de mis favoritos en mi colección, la canción “Sincerely” de la cantante True muestra toda la intensidad y perturbación que Violet no pudo transmitir en su serie mientras que la pista “Michishirube” de Minori Chihara remarca la sensibilidad e inocencia, espero escucharlas nuevamente en su película.

No está de más decir que el anime y el OVA están disponibles en la plataforma de Netflix en idioma original o con doblaje latino en los que destacan nombres como el de Carla Castañeda, directora de doblaje (la que menos me gusta en el planeta pero es otro tema) y Andrea Arruti interpretando a Violet de quien lamentamos su reciente fallecimiento y apreciamos su trabajo, sean libres de elegir el audio de su preferencia aunque ambos son muy buenos.

EN CONCLUSIÓN

Violet Evergarden es un anime inolvidable por la excelencia de su animación, razón por la que es digna de analizar y reseñar de por vida, no obstante, el tema argumental no es satisfactorio, se siente crudo y no aporta nada interesante a comparación de sus hermanos o cualquier otra serie del género por lo que mis expectativas para la película es que este mal sabor de boca cambie, esta vez estoy lista para ti, ¿me corresponderás? Mantengo mi calificación de hace dos años con 8 pts de 10. Recuerden ver y leer otras reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.