Este conteo se elaboró bajo el
mismo contexto de los openings en la que se publicó semanas después de lo usual
porque la página de encuestas que proporciona los datos ha decidido enfocarse a
otro tipo de contenido esta Temporada, por lo que tuve que esperar a reunir
suficiente información por mi cuenta, sin embargo, estaba consciente de que los
endings son más fáciles de organizar porque no suelen ser tan elaborados por el
número importante de personas que los salta, aunque he de decirles que más de
uno fue una sorpresa, ¿quién ganó? Revisemos:
10.- Gibiate
Este anime definitivamente fue el
más decepcionante de la Temporada y en todos los aspectos, incluyendo el ending
donde no hicieron otra cosa que mostrar una sala con una pantalla y colocar
clips del capítulo que bajo su propio contexto no tiene nada que ver, eso sí,
la canción en su versión completa es buenísima y la tengo agregada a mi
colección, lástima que me recuerde lo mala que fue su serie.
9.- Peter Grill to Kenja no Jikan
No temo decir que este es el
cierre más simpático del conteo al no solo darnos fanservice con su enfoque en
las chicas sino en la graciosa cara de Peter del final, la cual tiene muchas
razones detrás para estar así de perturbada. Que entrara y saliera de las
encuestas fue un problema, pero tanto la canción como el hecho de que cualquier
cosa es mejor que Gibiate lo ayudaron bastante bien.
8.- Deca-Dence
Ciertamente me sorprende que este
anime tenga un puesto bajo en algo, no obstante, su ending a comparación de sus
compañeros no fue de lo mejor y la popularidad que no se termina de definir
tampoco ayudó. Aun así ya tengo sus canciones en la versión completa, por favor
escúchenlas.
7.- Appare Ranman!
Me encanta el estilo western de
la canción que la vuelve una de las más consistentes de la Temporada, pero el
hecho de que solo hayan puesto un par de ilustraciones era imposible que
avanzara más. No hay mucho que nadie pueda decir cuando se enseña tan poco.
6.- Great Pretender
Cierta persona me apostó que este
ending sería el ganador solo por ser interpretado por Freddie Mercury y miren
nada más dónde terminó su muchacho, le dije que lo aniquilarían y no me
escuchó, así que con todo mi pesar… págame. Sé que los gatos se basaron en los
del cantante, especialmente en Delilah que astutamente supieron compaginar con
la propia historia del anime, sin embargo, la política de lanzamiento completo
de Netflix en lugar del episódico semanal, es decir, la estándar entre los
espectadores termina perjudicándolo en su visualización, difusión y por ende,
en las encuestas. Esto estaba perdido desde el principio.
5.- The God of Highschool
En cuestión de cierres en los que
colocaron ilustraciones, esta serie fue la mejor además de que el propio grupo
de fans de la banda CIX lo empujaron con esfuerzo al menos a la mitad del
conteo, de cualquier forma a este anime le ha ido excelente esta Temporada.
4.- Re:Zero Season 2
Que el cierre se enfocara en el
personaje más popular dentro de su serie es muy acertado a pesar de que
contadas hayan sido sus apariciones, lo cual brinda un mayor significado e
incrementa las expectativas de los lectores de la novela. Asimismo, es
destacable la parte de Tomoshige Inayoshi con el character acting de
Emilia, Ram y Beatrice que de alguna forma nos pone en contexto con cada
capítulo de la serie.
3.- Uzaki-chan wa Asobitai!
Estoy al tanto de las opiniones
encontradas con este anime, pero lo cierto es que tiene lo suyo incluso en el
ending. Ahora, ¿es posible que exista el character acting en alguna parte del
cuerpo? Claro que sí, pongan atención a la mano que toma el teléfono del final
hecho por Ryuuki Hashimoto, se aprecia un cierto nivel de delicate
motion sin que se pierda la consistencia de los objetos alrededor, incluso si
no supiéramos que se trata de Uzaki, podríamos saber con certeza qué clase de
persona está tomando el móvil.
2.- Fugou Keiji Balance:
Unlimited
Les seré honesta, esta en verdad
me duele porque estoy segura que de haber continuado la emisión en su Temporada
original habría sido el ganador y es que, amigos míos, no solo la pista es
hermosa sino que la animación hecha en su mayoría por Tsuru Toshiyuki es
de los dioses tanto en los ciclos de caminata, las carreras y los
micro-movimientos de los personajes cuando alternan su aparición. Es uno de los
mejores cierres que he visto y escuchado este año, pero las encuestas también
cuentan, entonces… felicitemos al ganador.
1.- Sword Art Online
Alicization: War of Underworld 2
Gano el único que podía ganarle a
Fugou Keiji, pues al ser la última parte de este exitoso anime, que sus
personajes sean los más populares esta Temporada a nivel internacional y que el
cierre esté repleto de simbolismos para los lectores de la novela al igual que
el opening, era un hecho que sería el ganador y bien merecido además, será
recordado como uno de los más grandes con pase directo a lo mejor del año.
Con esto hemos terminado los
conteos musicales para continuar con las mejores personalidades femeninas y
masculinas de la Temporada a la par que revisamos las reseñas finales de los
animes en emisión. Si crees que hizo falta un ending o quieres mencionar cuál
fue tu favorito, por favor deja el nombre en los comentarios para que otra
gente lo vea, también recuerden revisar otras fuentes de información para que
su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.
Usualmente comenzaría regañándome
a mí misma por publicar este conteo semanas después de lo normal, pero esta vez
hubo una buena razón para ello, pues verán, para escribir esto siempre me he
apoyado de páginas que elaboran encuestas tanto de México como de Estados
Unidos, siendo esta última la más grande, sin embargo, no sé qué les pasó esta
Temporada que decidieron enfocarse a otro tipo de contenido, así que al tener
pocos datos con los cuales trabajar decidí esperar un par de semanas para
recopilar todos los que pudiera, entonces… he ahí el motivo, aun así pienso que
los resultados fueron coherentes, revisemos al ganador:
10.- Kanojo Okarishimasu
He de admitir que entre todos los
candidatos, este es sin duda la apertura más simpática de la que se puede
apilar detalles mientras más le prestes atención, empezando por las viñetas que
parecieran salir de Tik Tok hecho por Odashi que muestran una
sola coreografía que se corta y la siguiente chica continúa, además del contoneo
femenino cuando la protagonista camina, misma que me atrevo a decir es cercano
a un “sakuga flick” por lo detallada que es a pesar de su corta duración y el “character
acting” del final cuando las chicas acercan la cámara dejando una buena idea de
su personalidad; todo es muy bonito.
9.- Maou Gakuin no Futekigousha
Una de las cosas técnicas por las
cuales este anime destaca son sus efectos digitales cuyo animador la mayoría de
las veces resulta ser Kenji Miuma, especialmente en la última parte
donde el protagonista está en el centro de la pantalla para lanzar un ataque a
varios enemigos, es ahí cuando se ve un trabajo que combina efectos de fuego,
humo y viento para demostrar no solo el impacto sino el poder masivo, es muy
impresionante por sí mismo.
8.- Fugou Keiji Balance:
Unlimited
Hay tantas cosas bellas en este
opening que es uno de los que no me puedo saltar y de hecho, fue una de las razones
que causó conmoción a los espectadores tras estrenar su primer capítulo. Primeramente
tenemos a Mitsuru Ishihara quien se encargó de soltarle la corbata a
Kambe agregando un sex appeal fuera de este mundo junto al trabajo de Isao
Hayashi que aparece cuando la mira de un francotirador le apunta y lo
transforma en billetes; eso y las coreografías de pelea, los ciclos de caminata
y las joyas que me habría encantado ver renderizadas, hacen una apertura
memorable.
7.- Dokyuu Hentai HxEros
A pesar de que hay muchos
artistas desconocidos detrás de este opening, puedo decir que Burnout
Syndromes ft Matsuoka realmente se divirtieron cantando la pista, adicional
del character acting erótico que refuerzan esta idea desde el grito del
principio hasta las transformaciones del final y la insinuación del beso. Es el
tipo de anime erótico que no necesita ser estúpido o vulgar para atraer
espectadores, ha sido uno de mis favoritos en su género esta Temporada.
6.- Re: Zero season 2
No puedo contar cuántos spoilers
acabo de ver en esta apertura, lo cual levanta el ánimo saber que no la colocan
seguido en la emisión, pero eso sí, no deja de ser un trabajo genial en la que
mi parte favorita es casi al final donde Subaru corre lleno de sangre y dejando
atrás sus cuerpos para ir a la luz hecho por Kazuhiro Ota. Me habría
gustado más si hubiese sido un plano secuencia, aunque el efecto de líquidos,
los primerísimos primeros planos y el ciclo de carrera me dejan satisfecha.
5.- Appare Ranman!
Soy consciente de que este anime
trata de carreras, pero para mí las mejores partes corresponden a las peleas
con pistola. Al paso de estas semanas he tratado de averiguar quien es el
animador detrás de ellas sin éxito, así que cualquiera que sea esa persona le
agradezco esos momentos divertidos y con cierto grado de tensión, sin mencionar
que la pista me encanta.
4.- Deca-Dence
Puedo asegurar con una mano en la
cintura que esta es la joya de la Temporada, incluso me duele un poco que no
sea el ganador, pero tiene lo suyo como ese modelo 3D que aparece nada más
empezar junto a los diseños de fondos con el mismo formato y ese pequeño
combate en el agua de Hiromatsu Shu que deja apreciar diferentes efectos
como el líquido y el smear que no es otra cosa que la expansión de fluidos, elemento
clave en este anime. Su canción en la versión completa me tiene enamorada.
3.- Fire Force season 2
Mi querida Aimer jamás
decepciona con sus canciones, agregando el hecho de que Fire Force es uno de los
pocos animes que puede presumir de hacer trabajar demasiados elementos en una
pantalla sin que la escena pierda sentido y sea fácil de seguir como la del
principio cuando Shinra y Sho chocan patada y espada para después ser cubiertos
por la dama de fuego y pasar a la rotación de los personajes hecho por Yasuto
Hirohara. De igual forma con el gusano gigante persiguiendo a los chicos
por Hiroyuki Ookaji y Nobuhiro Nagata; hay decenas de estos ejemplos
que demuestran que el timing y los intercalos son importantes.
2.- Sword Art Online
Alicization: War of Underworld 2
Estrictamente hablando este
opening no tendría que estar en este conteo por pertenecer a un cour y no a una
Temporada, pero su popularidad es tan abrumadora que sería muy idiota no
hacerlo… por Dios, Kirito incluso puede
hackear mi sistema. En fin, los lectores de la novela sabrán que desde el
inicio las aperturas estuvieron repletas de simbologías sin ser esta una
excepción, como la parte donde aparecen los diferentes mundos que desembocan en
Alicization junto a su intercalación con los personajes del mundo real, de igual
forma con el hundimiento de Kirito en el agua que señala su despertar. Saber todo
eso de antemano deja un sentimiento de satisfacción y muchas expectativas.
1.- God of Highschool
Es verdad que esta apertura dejó
ciertos sentimientos encontrados porque casi toda la animación fue rescatada de
los capítulos con una paleta de colores diferente, sin embargo, la pista se ha
vuelto la más representativa de la Temporada de Verano 2020 siendo
igualmente la primera vez (al menos en todo el tiempo que he reseñado) que el dubstep
encabeza las encuestas consistentemente durante semanas, por tanto, el opening
de God of Highschool se lleva la corona esta vez.
Con ello hemos terminado el
conteo y siendo honesta estoy satisfecha con todos los resultados además de este
nuevo tipo de redacción enfocado más a las participaciones técnicas y
explicaciones generales en lugar de solo soltar el video y decir “miren qué
genial”, me hace sentir que entrego algo de valor y ser parte de las pocas personas
que les da importancia, así que espero que les guste. Tampoco olviden comentar cuál
fue su apertura favorita o si hizo falta alguna, por favor consulten otras
fuentes de información para que su opinión sea más completa, nos vemos en una
siguiente publicación.
Debido a la situación actual que
conocemos, la industria del cine no está pasando por el mejor momento a pesar de
que, al menos en México, las instalaciones más grandes de algunos estados ya
estén habilitados con sus respectivos protocolos de salud, sin embargo, es de
admirarse que el mismo Cinépolis esté apostando por grandes películas y
más aún con el anime, la cartelera para esta función estará disponible del 3
al 9 de septiembre.
Por otro lado, he de ser sincera
con ustedes al decir que yo recibí indicaciones para reseñar a Promare
una vez tuviera el material en casa, pues lo primero para el equipo de
redacción es la salud, pero aun así tengo una cosa que decir: me habría
encantado verla un millón de veces en la pantalla grande; empecemos. Cabe
mencionar que bajo el concepto de opinión estas ideas fueron escritas y
recordarles que NO HAY SPOILERS.
SINOPSIS
Promare es una película
del género de acción, ciencia ficción y mecha cuya historia comienza hace 30
años cuando un cataclismo destruyó a la mitad del mundo en un incendio, provocando
el nacimiento de los “Burnish” quienes son personas capaces de crear y
controlar el fuego, mientras que el escuadrón de bomberos “Burning Rescue” son
los que lidian con ellos y sus incendios. Ese extraño y peligroso poder ha
provocado violencia y discriminación entre ambos grupos que el bombero novato
llamado Galo y el líder de la resistencia, Lio, están a punto de acabar, ¿quién
es el verdadero villano?
NO ES EL ESTUDIO, SINO LAS
PERSONAS
Trigger es uno de los
estudios de animación que más tengo estudiados al ser el primero que se me
ocurre cuando quiero ver algo fuera de mi zona de confort y revisar cómo
hacen trabajar todo lo que usualmente no me gusta en la animación, así que
cada vez que anuncian un nuevo proyecto no puedo evitar cerrar los ojos y hacer
círculos en mis sienes para después arrepentirme un poco poniendo dos dedos en
el entrecejo, razón por la que me resistí a ver Promare en 2019.
Curiosamente, todos aquellos
elementos que no me gustan son la principal característica de Trigger
cuyos diseños suelen ser experimentales, con extrema elasticidad en sus
personajes y su tendencia a quemar mis ojos con la paleta de colores que satura
la composición gracias a su gama de tonalidades, no obstante, me levantó el
ánimo saber que el equipo de producción realmente tuviera algo que contar al
mundo:
Las buenas impresiones comienzan
con el señor Hiroyuki Imaishi quien se desempeñó como director de la
película y del que aparte le he seguido la pista desde su participación como
director de acción en Darling in the Franxx, sin dejar de lado los
clásicos Gurren Lagann y Kill la Kill. Asimismo con el señor Kazuki
Nakashima quien fue el encardado del guión en Promare y también en
la composición del anime BNA: Brand New Animal.
En tanto, el señor Shigeto
Koyama (Darling in the Franxx) fue el diseñador mecánico y de
personajes, el señor Yoh Yoshinari (BNA) trabajó en el storyboard y como
animador clave junto al señor Kai Ikarashi como director de animación y,
por último, a la leyenda Hiroyuki Sawano como responsable de la música,
al igual que en otros animes como Shingeki no Kyojin y Nanatsu no
Taizai.
LO QUE SON CAPACES DE HACER
Desde ya debo decir que la idea que
tuvieron los señores Imaishi y Nakashima al crear Promare
es por mucho una de las más ambiciosas y mejor ejecutadas que he visto en una
película recientemente y sin contar demasiado con sus referencias a Gurren
Lagann y Kill la Kill que, aunque sutiles, están presentes. Espero
poder plasmar la complejidad que hay detrás con el mínimo de elocuencia, hablemos
del formato:
Hay dos cosas que saltan a la
vista en esta película: la primera es su paleta de colores fluorescente
y la segunda el hecho que la mitad esté producida con el formato tradicional
(2D) y la otra en 3DCG que no hace otra cosa que volver los colores más
vibrantes de lo que son. Esto representaba cierta complejidad porque la
composición estaría saturada y poniendo en peligro lo que en animación se
conoce como la “puesta en escena”, es decir, la presentación de una idea de
manera que resulte completamente clara.
En producción no se quiere que
los elementos involucrados compitan entre sí o dificulte la apreciación de una
acción e incluso canse la vista del espectador, tal como suele pasar con el
estudio GoHands con sus animes Hand Shakers y W´z (mayormente),
por lo que el buen manejo de sombras es la clave para evitar este problema,
cosa que Promare hizo estupendamente gracias a una técnica del 3D
llamada “sombreado plano” o “cel shading” la cual es un tipo de renderización
diseñada para que los gráficos digitales parezcan dibujados a mano.
Muchas de las sombras del cel
shading son calculadas automáticamente para crear un aspecto plano y parezcan
bloques en lugar de difuminarse con suavidad, esto agregando que por el lado
del 2D redujeron considerablemente los dougas (animación intermedia) y se
enfocaron en los gengas (animación clave) lo que hace que cada pose de los
personajes dimensionales luzcan bien definidos. Para resumirlo, hicieron que
el 3DCG se parezca al formato tradicional y lograron que el 2D fuera tan
estético que compaginara bien con el formato digital.
Eso sí, esos créditos del 3D
pertenecen más al estudio Sanzigen que Trigger subcontrató con la
debida supervisión del señor Imaishi con su única instrucción de “la
realidad no está permitida”, frase que él mencionó en una entrevista donde
también tuvo el tiempo de explicar las metáforas que colocó en Promare que
pocos o nadie notó y que valen la pena apreciar, explico:
LAS IMÁGENES HABLAN
El concepto artístico de Promare,
a palabras del señor Imaishi son “dos fuerzas repelentes que se
convierten en una” haciendo referencia al escuadrón de bomberos que lucha por
apagar los incendios de los Burnish en la que ambos son representados por
figuras básicas haciendo una metáfora a sus ideales, por ejemplo, en el caso
del escuadrón de bomberos y la ciudad en sí, constantemente verán figuras
cuadradas que hace alusión al control, mientras que la parte de los Burnish
o el bando de la resistencia se representan con triángulos, lo que indica
libertad.
Cuando partes un cuadrado a la
mitad, dice esta vez el señor Nakashima, se forman dos triángulos que al
final se vuelven un círculo, representando así una paz duradera (Eisenbeis,
2019). Es así que nunca debemos pensar que la paleta de colores, el diseño de
personajes o la animación en general son productos al azar, sino que cada cual
tiene una razón de ser y entre más información se tenga, mejor vamos a
interpretar y disfrutar de una obra.
En este punto no puedo dejar
pasar otros aspectos técnicos sobresalientes como la hermosa morfología y la
actuación de los personajes del señor Kai Ikarashi cuando los trabaja en
formato tradicional, son capaces de transmitir todo tipo de emociones como la
ira, el poder y la pena; así como una de las secuencias más importantes de la
película (no diré cuál) ejecutada por el señor Yoh Yoshinari con los
mecha en formato digital donde es posible apreciar diferentes elementos como el
debris (escombros), los impact frames (marcos de impacto) y los smears (extensión
de líquidos). Al igual que el esfuerzo de muchos animadores que hicieron maravillas
con el arte del henkei mecánico (transformaciones), el humo y otros efectos de
luz; Promare es una obra técnicamente consistente y eso lo aprecio
bastante.
EL ORDEN EN EL DESORDEN
Si bien es cierto que el apartado
técnico está hecho por los dioses y brinda información que es interesante
conocer para adentrarse en el contexto de la película, no deja de cometer un reciente
error narrativo que dudo que Trigger vaya a hacer a un lado muy pronto y
eso es: el desorden y poco desarrollo en sus historias, de hecho ya me
había quejado de lo mismo en el anime BNA: Brand New Animal de la Temporada
de Primavera 2020.
Cualquiera que haya visto al
menos una o ambas obras, sabrá que la temática gira en torno a la opresión, la
discriminación y la violencia estatal que como se mencionó anteriormente, son
dos bandos contrarios que luchan entre sí por la libertad y lo que cada uno considera
correcto. Hay ideas en Promare que están explícitas, otras nos las
tienen que explicar (como las metáforas) y habrá otras que tú mismo deberás
sobreentender, lo cual a veces es satisfactorio si se desea conocer diferentes
perspectivas, pero en este caso es tan insuficiente que eso no es posible.
Tal como les he dicho en
artículos y reseñas, la base de una buena trama es el cambio que obedece los
elementos de la “narración mínima” los cuales son: equilibrio –
desequilibrio – nuevo equilibrio. El primero se refiere al status quo tanto
del contexto como de los personajes, el segundo como un acontecimiento que
desarregla la vida de los personajes, y el tercero cuando los personajes
regresan al estado de equilibrio, pero con un cambio.
Cabe señalar que Promare
cuenta con 2 cortos precuela llamados “Promare Galo-hen” y “Promare Lio-hen” que
relatan una misma situación desde el punto de vista de ambos personajes
principales, esto debió haber servido como como un estado de equilibrio al ser
la película donde desemboca la problemática y la “solución”, sin embargo, colocan
un tema tan complicado que es imposible desarrollarlo en poco tiempo y de
manera satisfactoria, se siente amontonado o como si estuviera viendo un borrador
en lugar de un producto terminado.
Es claro que el problema social
está ahí, pero nunca nos enteramos de los antecedentes salvo por lo que se
puede sobreentender y tampoco un nuevo equilibrio o un cambio porque en lugar
de resolver el problema, simplemente lo hacen desaparecer… literalmente. El
dilema de poner tanta atención en el contexto, es que no hay tiempo de
desarrollar a los personajes y eso es incorrecto en la narración.
Son los personajes los que
deben contarnos acerca de su entorno y no al revés, para evitar este desacierto
siempre es recomendable seguir “la regla de 3” que no es más que una
herramienta de los escritores para crear buenos protagonistas, esta se divide
en 3 aspectos clave: el primero es que el protagonista es la historia cuya
forma de ser, pensamientos y motivaciones son los que le dan sentido a lo que
se cuenta.
El segundo es la
complejidad donde el pasado del protagonista, su entorno y deseos son los más
trabajados, los más importantes y los más memorables que terminan fortaleciendo
al resto de los personajes; en este sentido me habría gustado ver cómo Galo y
Lio, además de evolucionar su propia relación, lo hicieran con sus respectivos
bandos.
El tercero es el
escepticismo del espectador donde el protagonista debe causar una impresión
inmediata al espectador para que este genere rapport, mucho cuidado porque
no debe confundirse con el appeal, es decir, una cualidad o cierto encanto que
al público le guste ver o le resulte atractivo, como en este caso teniendo a Galo
como el personaje carismático que sin pensar demasiado cae bien, caso
contrario a Lio que es el calmado, frío y racional (Eisenbeis, 2019).
Este escepticismo se define
como una característica del personaje que es capaz de llamar la atención
como algo interesante, lo entiendes, sientes empatía y te hace estar de acuerdo
o no con sus ideales u objetivos, en resumen, es una impresión que evoluciona
y conecta, para bien o para mal, con el protagonista. Tomando en cuenta lo
anterior, si una historia no tiene una buena trama y tampoco buenos
protagonistas… no hay tema del qué hablar.
LO MEJOR DE LA PELÍCULA
Definitivamente lo único que
podría salvar una mala historia, además del apartado técnico, es el repertorio
musical, mismo que no imagino en mejores manos que del señor Sawano quien,
de acuerdo a la entrevista de Eisenbeis (2019) tenía poco material para
trabajar en el principio y aun así pudo entregar un soundtrack cuando menos
divertido y trascendente.
Su afinidad por el concepto del
heroísmo te hará sentir hype en los momentos clave de Promare, a la par
que su experiencia con la tensión están presentes para no apartar la mirada ni
un momento. Entre las pistas que recomiendo y que ya agregué a mi colección
fueron “Inferno”, “Nexus”, “Gallant Ones” y “BangBangBUR!...N”.
Si buscan una buena razón para ver esta película, que esta sea la banda
sonora.
EN CONCLUSIÓN
De alguna u otra forma, la primer
película de Trigger hizo funcionar todos y cada uno de los aspectos que
normalmente serían hartamente criticados por mí, sobre todo en la saturación, será
a partir de ahora que me servirá como un bonito referente de lo que son capaces
de hacer, aunque lastimosamente yo y otros compañeros no pensemos lo mismo de
la historia carente de los aspectos mínimos para recomendar como algo más allá
que simple entretenimiento, cosa contraria a la banda sonora que, en mi
opinión, es la que se lleva la ovación de pie, qué grande es el señor Sawano.
Es por lo anterior que recibe de
mi criterio una calificación de 8 pts de 10. Recuerden ver y leer otras
reseñas, críticas y análisis para que su opinión sea más completa, nos vemos en
una siguiente publicación.
Hace un par de semanas publiqué el
artículo “La función de la crítica y la contaminación irreversible del gusto”
la cual fue bien recibida y por eso les estoy muy agradecida, pero hay otra
razón para mencionarlo porque tal como pensé, pareciera que siempre es más
interesante hablar de los autores y aquellos que promueven sus obras, llámese estos
reseñistas, analistas o críticos, quienes muchas veces ignoran que también
entran en la categoría de espectador o yendo más allá, refiriéndolos como si no
importaran o fueran inferiores cuando lo cierto es que tienen un papel que
cumplir, ¿cuál es? Hablemos de ello.
EL SUJETO INTANGIBLE
Escribir este artículo fue por un
tiempo una letanía al ser un tema tan común y de los que muchos reconocen su
importancia, no obstante, me cuesta creer que algo o alguien nos importe cuando
ni siquiera podemos definirlosatisfactoriamente y esté fuera del intento
superficial de cualquier diccionario. La falta de una definición clara y
precisa de un espectador me hizo apartar la idea de mi calendario, pero no de
mi mente, así que seguí dándole vueltas a la cabeza.
Fue en un momento donde pensaba todo
y nada a la vez que una idea me abordó y en un soliloquio reflexioné: alguien
no puede “ser” sin antes “no serlo”. Afortunadamente con esa nueva
perspectiva pude llegar a la definición de Flores (2018) la cual, a partir de
otros conceptos, propone que un espectador es la persona que rompe su rutina
y enfrenta una obra creativa, ya sea de forma accidental o provocado por él
mismo obteniendo estímulos recreativos, estéticos y culturales.
En otras palabras, un espectador
es aquella persona que voluntaria o fortuitamente interactúa con una obra y
quien, para ser considerado como uno, se debe autopercibir como tal: un
espectador, además de distinguir que lo que tiene delante es una propuesta
creativa (Flores, 2018). Por tanto, lo que en definitiva NO es un espectador
es quien pasa desapercibido lo que NO conoce, pues para comprender un objeto
o una razón, primero tiene que darse cuenta de que existe, conocerlo y comenzar
a descubrirlo.
Ese es el motivo por la que no
debería ser relevante el comentario de una persona común que no se ha dado a la
tarea de ver una obra o terminarla, pero sí para opinar sobre ella, ¿cómo él o
ella va a comprender lo que no conoce?, ¿tienen derecho a ello? Los invito a
pensarlo y evitar ese comportamiento en cualquier contexto, nosotros tenemos
más poder del que creemos y ahora más que nunca, por ende, debemos usarlo
justamente.
LA IMPORTANCIA DEL ESPECTADOR
Ya sea desde su propia percepción
o haciendo una búsqueda por internet encontrarán que al hablar de una propuesta
creativa, la mayor parte del contenido se enfoca en 3 elementos: el autor,
la obra y aquél individuo que la interpreta, omitiendo la mayoría de las
veces al espectador, no obstante, los verdaderos elementos a considerar son: el
autor, la obra y el espectador.
Esto porque, como Flores (2018)
afirma, no puede existir un autor sin obra ni espectador, ni una obra
sin autor ni espectador, así como un espectador no puede serlo sin un
autor ni una obra. Como pueden apreciar, no es que uno sea más importante que
el otro, sino que tienen el mismo peso y cada cual una función:
El autor es quien se encarga de
producir la obra en base a su talento, aptitudes y limitaciones, mientras que
la obra es el medio expresivo por el cual el autor transmite su idea y la otorga
como propuesta al espectador. Asimismo, la función del espectador se resume
a aceptarla o rechazarla, lo explico con más detalle a continuación:
LA FUNCIÓN DEL ESPECTADOR
Tal como se planteó
anteriormente, cualquier obra dice algo a cualquier espectador siempre y
cuando exista una interacción consciente, por lo que para considerarlo como tal,
Flores (2018) enuncia estas funciones:
1.- Buscar: cuando una persona por iniciativa se convierte
en espectador a través del encuentro de una obra, esta función tiene 3 niveles:
el primero es cuando la persona sabe y desea ver una obra con
características específicas tanto en términos de género como en la forma en que
se transmite; el segundo es buscar la obra únicamente en términos de
género sin importar como se transmite, es decir, es menos precisa; y el
tercero es cuando la persona busca una obra cualquiera sin importarle ni el
género ni cómo se transmite, por ende, su intención es aleatoria. Obviamente se
descarta de esta función al espectador de encuentro fortuito.
2.- Crear expectativas: cuando
el espectador encontró la obra, surgen suposiciones de lo que verá junto a su
posible calidad en base a sus experiencias, comentarios de terceros,
investigación personal y/o fama o prestigio del autor. Esta función la alimentan
los intermediarios que promueven las obras (el propio autor, críticos,
reseñistas o analistas) a través de medios de comunicación como trailers, publicidad,
blogs, redes sociales, etc. Tal como lo hago en “mis primeras impresiones” cada
Temporada. Mucho cuidado porque un buen espectador NO tiene prejuicios, pero
sí expectativas.
3.- Contemplar: por
definición, contemplar significa reconocer que se está en presencia de una
obra, no basta con verla, escucharla o incluso sentirla, sino acatarla como lo
que es. Una persona no se vuelve espectador sin esta identificación,
pues de lo contrario pasa desapercibida y sin saber su significado o desenlace,
en otras palabras, nunca se entera que tiene una obra delante.
4.- Juzgar: la persona
hace lo que en la crítica se conoce como “doble juicio” donde el primero nace
en cuanto se contempla la obra apreciando los detalles más obvios; y el segundo
cuando la termina de manera más calmada y profunda, soportándose sobre la
reflexión y comparación con los parámetros del propio espectador. Razón por
la que alguien que no termina o “dropea” una obra, deja de ser un espectador.
5.- Cuestionar: el
espectador debate consigo mismo la calidad de la obra de acuerdo a sus
parámetros, si cumple con las promesas estándares del género, si es creíble y
hasta qué punto, si los detalles estéticos y elementos narrativos fueron los
adecuados con el fin de construir una opinión con base a sus saberes y
entendimientos.
6.- Creer o descreer: cuando
se habla de descreer, se refiere a que el espectador rechaza la credibilidad de
la obra y ejecuta acciones como renegar y desestimar; por el contrario, creer
se refiere a aceptar la credibilidad de la obra y ejecutar acciones como halagarla
y aprobarla. Incluso si es alguien difícil, entendiendo que señala todos los
defectos que sobrepasan sus fronteras de “malo” para convertirse en “pésimo”
hasta el punto de desacreditarla ante posibles nuevos espectadores, sigue
reconociendo que es una propuesta creativa, por tanto, también es un
espectador. Estas funciones son excluyentes y el resultado afecta a las
siguientes.
7.- Discriminar: independientemente
si el espectador cree o descree, generará una dinámica en la que él suele
elegir los elementos que a su juicio ameritan o desmeritan más a la obra que no
solo aborda generalidades sino también los detalles más pequeños y específicos.
Por ejemplo, a un espectador puede gustarle o no la tocada de un violinista
porque lo conmovió para bien o para mal, mientras que a otro puede gustarle o
no el mismo violinista por su técnica, postura, ejecución, tono, velocidad,
etc.
8.- Criticar: una vez
cumplidas las funciones anteriores, el espectador está listo para criticar la
obra para sí mismo o a otros espectadores pudiendo ser los resultados variados
según su nivel de conocimiento y calificación, es decir, puede juntar los
elementos negativos y decir que la propuesta es mala o inaceptable, al igual
que junta tanto los elementos negativos y positivos para decir que es regular,
así como juntar los elementos positivos y decir que es buena o extraordinaria.
9.- Halagar o vituperar: si
el resultado de discriminar y criticar es positivo, pasará al paso lógico de
halagar la obra, contrariamente a que si fueron negativos, procederá a denostarla.
Esta función varía entre cada espectador.
10.- Aceptar o rechazar: el
espectador finalmente debe optar por cualquiera de estas funciones: aceptar o
rechazar la obra.
TIPOS DE ESPECTADOR
Si algo he aprendido es que cualquier
cosa que tenga un nombre, se puede clasificar y si se clasifica, es porque
está cumpliendo con un estándar que lo pone en su lugar correspondiente. Ahora
que ya podemos nombrar a un espectador junto a sus funciones estándar, es
momento de clasificarlo para lo cual, existen 3 niveles clave que reciben
términos distintos dependiendo el autor, sin embargo, su significado es el
mismo:
1.- Amateur/ Dilettanti/ Lego/
Espectador inexperto: es el espectador que está en proceso de aprendizaje y
cuya intención es adentrarse conscientemente a su área favorita de
contemplación.
2.- Cognoscente/ Connaisseur/ Aficionado/
Espectador veterano: esto supone a un espectador aficionado a un autor,
género o disciplina que crea una relación sólida con obras particulares y cuyo
conocimiento se sustenta en mayor parte por su experiencia sin la necesidad
de ser académicos en el tema.
3.- Crítico/ Profesional/ Espectador
experto: parafraseando lo que dije en mi artículo anterior, un crítico es
quien posee estrategias de lectura que permiten no solo gozar de la obra desde
un punto de vista estético y narrativo, sino también comprenderla desde su estructura
incluso conceptual para después promoverla a la audiencia común por medio de
una reseña crítica (Masson, 2020). Agregando que estos sí se conciben
enteramente como espectadores antes de cualquier otro título.
EN CONCLUSIÓN
El contacto entre “obra y
persona” convierte a esta en un espectador, siendo su papel principal
aceptar o rechazar una obra y completar la ecuación de “autor – obra –
espectador”. De igual forma, su autopercepción como espectador se producirá con
el paso del tiempo en la que a través de su experiencia y adquisición de
conocimiento técnico estilístico y narrativo, accederá a niveles superiores de
clasificación. Es así que ser un espectador ya no suena tan fácil como antes al
punto que no cualquiera puede serlo, otro motivo para seguir estudiándolo y afianzar
nuestra propia importancia.
Con ello ha terminado el último
artículo de la Temporada de Verano 2020 para dar paso a los conteos y después a
las reseñas finales de los animes en emisión, es una buena oportunidad para
armar su lista de los estrenos de Otoño porque tal parece que serán más de 40,
el doble de lo normal. Recuerden consultar otras fuentes para que su
información sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.
Referencias:
Flores, J. (2018)
"Definición, funciones y papel del espectador frente a la obra
creativa". Anagramas, Rumbos y Sentidos de la Comunicación. Vol 17. Núm.
33. Universidad de Medellín. Colombia.
Es curioso que en la Temporada
de Primavera habláramos de la película Amor de Gata especialmente
porque había algo en ella que llamó la atención de la mayoría de los
espectadores sin una causa consensual y ahora estemos ante Hakubo al que
le ocurrió todo lo contrario, pasó tan desapercibida y tenía tantos comentarios
negativos que dudé en hacerle reseña, sin embargo, la curiosidad terminó
venciéndome, ¿realmente es tan mala como dicen?, ¿estamos viendo la obra de su
autor o el escándalo detrás de él? Revisemos. Cabe mencionar que bajo el
concepto de opinión estas ideas fueron escritas y recordarles que NO HAY
SPOILERS.
Hakubo es una película del
género de romance y slice of life cuyos protagonistas son una chica de
secundaria que toca el violín y un chico que hace pintura quienes en medio de
un hermoso atardecer se encuentran de manera fortuita y comienzan a conocerse
hasta darse cuenta de lo que sienten por el otro. Un amor juvenil que solo vive
en el ahora dentro de la ciudad de Iwaki después del terremoto y tsunami de
Tohoku del 11 de marzo de 2011.
SU REPUTACIÓN LO PRECEDE
Es normal que al investigar
autores, animadores o estudios no sienta otra cosa salvo admiración y respeto,
razón por la que pensé que con el señor Yutaka Yamamoto no sería
diferente al haberse hecho cargo del trabajo original de Hakubo como
director, del guión y también como director de sonido, pero la realidad fue otra
porque cada artículo que leía sobre él decía cosas terribles y cada uno era
peor que el anterior, pasé de tener miedo a la empatía y terminar con
tristeza, explico:
El señor Yamamoto quien
igualmente es conocido como Yamakan se hizo del cariño de los fanáticos
al desempeñarse como director de producción en el anime The Melancholy of
Haruhi Suzumiya del estudio Kyoto Animation e incluso ascendiendo
como director para Lucky Star, aunque fue despedido poco después por “no
estar preparado para el puesto”. Más tarde se convirtió en el cofundador del
estudio Ordet cuyo único trabajo relevante fue Black Rock Shooter
en 2012 y ser despedido nuevamente en 2016 por razones no específicas; fue en
enero de 2017 cuando anunció que su próximo trabajo sería la película original
de Hakubo.
EL NACIMIENTO TORMENTOSO DE
HAKUBO
Desde que ese anuncio salió a la
luz se sabía que la película sería financiada por medio de recaudaciones
logrando llegar a la meta de más de 130,000 dólares para su producción (Pineda,
2017), no obstante, el 4 de marzo de 2019, el señor Yamamoto declaró en
su blog que se encontraba en una quiebra personal mayormente relacionada a
proyectos de animación anteriores, un préstamo de su automóvil y tarjetas de
crédito. Seguido de eso, tanto su abogado como el estudio Twilight aclararon
que esa deuda no tenía nada que ver con la película y que esta seguiría
adelante (Hodgkins, 2019).
Justo cuando la situación parecía
haberse calmado, el señor Yamamoto sorprendió a sus seguidores cuando a
mediados de mayo de 2019 reveló en su blog que después de terminar Hakubo
“jura no volver a trabajar en nada relacionado a la animación”, añadiendo que su
obra se encontraba en mal estado y disculpándose con los involucrados en la
producción. En esa misma publicación se sinceró al decir que luego de 21 años
trabajando en la industria se dio cuenta de que “desde el principio, no he
podido hacer anime” (Pineda, 2019).
Fue en este punto donde no supe
qué pensar porque por un lado se le notaba deprimido y derrotado a la par que
no paraba de generar escándalos desde su despido en KyoAni como aquella
vez en 2018 cuando dijo que los otakus eran los culpables de “arruinar” el
anime, hizo comentarios discriminatorios hacia los fanáticos de China y Corea
llamándolos “discapacitados” y culpó a la idol Mayu Tomita por ser
atacada violentamente por un fan en 2017 (Loveridge, 2018).
Por si fuera poco (que no lo es)
en septiembre de 2019 lanzó una campaña de recaudación por casi 93,000 dólares
para financiar una película piloto que hace alusión al ataque incendiario a Kyoto
Animation agregando que se encargaría de “cambiar el anime” para que no hubiese
más víctimas, después arremetiendo contra el señor Makoto Shinkai quien
había publicado “Todos los de Kyoto Animation Co; estén a salvo” respondiendo
el tuit con “Solo cállate” (Loveridge, 2019).
Esa cadena de acciones que van
desde el mal gusto hasta lo misógino y racista solo provocaron la suspensión de
sus redes sociales en Twitter y su blog de LINE, además de una
pésima reputación y el desvío de miradas entre colegas y estudios de la
industria… todo tiene sentido ahora, ¿verdad? Conocer el contexto detrás
de una obra es tan importante como la obra en sí.
UN BELLO ATARDECER
Seguramente no seré la primera ni
la última en decir que la calidad técnica de Hakubo es hermosa e
increíble considerando su presupuesto y por sobre todas las cosas, muy fácil
de leer por su consistencia empezando por la paleta de colores cálida que destaca
los azules, amarillos, rojizos, verdes, púrpuras y naranjas que obviamente
hacen alusión a los atardeceres. El buen trabajo en el diseño de color del
señor Fuyuto Maraguchi está ahí.
De igual forma, al tener a un
protagonista masculino afín a la pintura era de esperarse una gran cantidad
de paisajes y así fue, estos no son más que extensiones de terreno vista
desde un lugar determinado y con un poco de movimiento de cámara, mientras que los
panoramas (que también hay) son grandes extensiones de terreno vista
desde un lugar alto, a diferencia de la fotografía que es la obtención
de una imagen fija. Lo anterior me hace suponer que usaron el formato 3DBG que
hace un modelado tridimensional con textura sin dejar de tener una apariencia
en 2D, se ve muy estilizado, detallado y realista, bien hecho.
Asimismo, debo admitir que con la
protagonista femenina afín a la música estaba preocupada porque incluso en
obras del género no es común que veamos movimientos corporales y gesticulaciones
al tocar los instrumentos como los dedos al tratarse de un violín, la dirección
de la mirada y la presión de los labios. En este caso particular había 3 retos
por superar: la anticipación, el timing y los arcos.
Al referirse a un violinista
podemos observar que no comienza a tocar justo después de colocar el instrumento
sino que generalmente da un suspiro, mira hacia abajo y antes de que el arco
toque las cuerdas hay una pausa… a eso se le conoce como anticipación, quiere
decir que una acción nos prepara para el siguiente movimiento a la par que el timing
marca el ritmo de la acción, asegurándose que cada acento o efecto suceda
en el momento correcto, sin mencionar que un violín no tiene la misma velocidad
ni patrón que un chelo.
De igual forma, a pesar de que el
violín tenga una precisión recta, hay un ligero patrón circular con forma de
ocho que además de servir de guía para la acción, refleja fluidez y realismo; a
ese rompimiento de rigidez se le conoce como arcos y la mayoría de las
cosas en la animación los tiene. Pueden comprobar lo que dije fingiendo tocar
el violín, ¿logran notar los ochos en sus muñecas y codo? De nada; la
animación es la representación de la realidad, por tanto, es bueno que se vea
como tal.
Finalmente puedo destacar el buen
manejo de secuencias cotidianas como las comidas en mesa, las caminatas, las
charlas del autobús y la grandiosa tocada en grupo, así como el uso de
diferentes planos y ángulos de la cámara que terminan por hacer una composición
compleja y bonita… quizá el señor Yamamoto no cumplió con las
expectativas en sus estudios anteriores, pero en este proyecto no cabe duda que
como director se esforzó demasiado, yo lo noto y lo agradezco.
EL ESPEJO DE LA TRAMA
Es verdad que el apartado técnico
fue ejecutado maravillosamente, sin embargo, temo que la trama no tuvo el mismo
cuidado al ser influenciado, en opinión propia, por el estado emocional del
señor Yamamoto ya que como antes se mencionó, él mismo la desprestigió
al igual que muchos espectadores con comentarios como “la historia más
olvidable del cine”.
Hakubo es la última obra
de su autodenominada “Trilogía de Tohoku” que incluyen a Blossom y Wake
up, Girls! Pero tranquilos, no es necesario ver lo demás para entender porque
la única premisa de esta película es la típica “chica conoce a chico y se
enamoran”. La historia es lineal, simple y mayormente narrada por la
protagonista, comparemos un poco:
En la película Amor de Gata
del estudio Colorido, podemos ver una propuesta similar, pero con la diferencia
que ahí sí existe el desarrollo de personajes a tal punto que conocemos sus
sentimientos, inseguridades, problemas y deseos, de forma contraria en Hakubo
que cometió el error de colocar personalidades apáticas sin desarrollar un solo
aspecto, nunca me quedó claro quiénes estaban en la pantalla ni sus
motivaciones detrás de pintar un paisaje o tocar el violín, al igual que
razones sustentables para estar enamorados uno del otro.
Las explicaciones que recuerdo (al
ser cierto que es olvidable) son porque ambos pertenecen a los clubs
correspondientes y oh, “me recuerdas a alguien del pasado”… ¿eso es todo?,
¿acaso los 52 minutos fueron un problema? Me cuesta creerlo cuando he visto
mejores historias contadas en menos de 10. He de intuir que esa autoafirmación
del señor Yamamoto de “desde el principio, no he podido hacer anime” se
reflejó en la película.
Nosotros tendríamos que
preguntarnos qué es el anime en primer lugar, ¿es la animación?, ¿las
historias?, estoy segura que ambas junto a la música, pero señor Yamamoto…
usted debió hacer lo que quería siempre y cuando pusiera el alma y corazón en
ello, si siente que lo hizo, solo hace falta practicar un poco más. Lo único
que un autor necesita es papel, pluma y una buena idea. Hakubo no le
hizo justicia a su potencial y eso me entristece.
LA MÚSICA COMO COMPLEMENTO
Si se tiene una violinista, por
supuesto que tiene música, pero he de mencionar que esta no destaca por sí
misma sino por los aspectos técnicos que dije anteriormente; es posible escuchar
clásicos como Beethoven, Delius y Bartók Béla, además de
instrumentos en la susodicha tocada como la flauta, el chelo, piano, viola,
violín, clarinete, arpa, entre otros. Hakubo tiene una larga apertura
con ellos y un ending interpretado por Hitomi Azuma llamado “Tooku” que
no me gustó porque es una balada, ustedes saben que no soy fanática de ellas, sin
embargo, no dejen de darle una oportunidad.
EN CONCLUSIÓN
Hakubo es la última obra
de su autor que al parecer no regresará a la industria, cualquiera pensaría que
debería ser una extraordinaria despedida, pero lo único que transmitió fue
rencor, frustración y otros sentimientos encontrados a pesar de que la película
cuenta un romance juvenil. En lo personal no la considero ni tan terrible como
afirman los espectadores ni tan buena como para ser una de las primeras opciones
en recomendar, solo la aceptaría para un buen rato de entretenimiento.
Por segunda ocasión en los casi 3
años que tengo reseñando, no colocaré una calificación y considero que mis
opiniones respecto al comportamiento del señor Yamamoto son irrelevantes
en esta reseña, aunque no evitaré decir que las desapruebo… un buen
espectador no tiene prejuicios, sin embargo, ustedes tienen el derecho a
decidir verla o no. Recuerden ver y leer otras reseñas, críticas y análisis
para que su opinión sea más completa, nos vemos en una siguiente publicación.
Últimamente había leído demasiados
comentarios, no precisamente para mí sino a otros compañeros al momento de
publicar su crítica o reseña, que decían “si no te gusta, hazlo tú”, “criticar
es muy fácil” y mi favorita “hablas mal de las obras que tú mismo no eres capaz
de realizar”; eso y mi constante pensamiento de “ya nada me impresiona como
antes” en función de los casi 40 o 50 animes que veo por Temporada.
Eso me hizo alejarme un poco de
esas páginas y mudarme a Twitter donde puedo publicar sin perturbación reseñas
episódicas, obviamente más cortas y relajadas, pero creo que mi cerebro no me
dejará avanzar hasta que les diga cuál es la verdadera función de una crítica
escrita y la definición de la “contaminación irreversible” que ataca a los
veteranos, empecemos.
¿QUIÉNES PUEDEN CRITICAR?
Cualquier ser humano, sea
consciente o no, tiene la necesidad de pertenecer a un grupo con el fin de
saberse valorados y comprometidos con un proyecto en común, a esto se le conoce
como “sentido de pertenencia”, por lo que ese deseo de involucrarse y comentar
acerca de lo que nos gusta ha estado en nosotros desde siempre.
Más aún cuando la mayoría tiene
un espacio en la web para decir lo que quiera de lo que sea, aunque por
supuesto, no todos esos contenidos son iguales, pues dependen del campo de
interés y conocimiento de la persona lo que hacen clasificar entre una opinión
y una crítica. Yo misma lo he dicho en algunas de mis reseñas “opinar lo hace
todo el mundo y cada quien es libre de hacerlo como quiera, pero si personas
detrás de ti confían en tu juicio, es mejor ser lo más objetivo y transparente
posible”.
LA PERCEPCIÓN DE LA CRÍTICA
Mi experiencia como reseñista me
ha permitido conocer a 3 tipos de personas: los que hacen la crítica, los
que odian la crítica y los que piensan que la crítica es inútil. Es aquí
donde me permitiré resumir lo que alguna vez vi en el anime Hyouka
(2012) del estudio Kyoto Animation que deja más clara esta percepción
general, específicamente en el capítulo 13, minuto 15:30 “Muerte en la
Oscuridad”:
La escuela se encuentra en el
Festival Cultural donde alumnos en un salón de clases se quejan de las pocas
ventas de una antología que hace una crítica a 100 mangas, una de las
alumnas menciona que eso pasa cuando se tiene una idea tan aburrida y que hacer
críticas es una pérdida de tiempo; Mayaka Ibara, personaje secundario y
quien dio la idea, le pregunta la razón y esta responde que todo queda a manos
del lector, al final solo es entretenimiento.
Ibara, sorprendida, le devuelve
la pregunta si acaso los autores importan y cómo puede saber cuál es bueno y cuál
no; su compañera, con tono burlesco, termina diciendo que los lectores solo
deben buscar algo que los haga reír y que todos los mangas son iguales.
Finalmente, Ibara replica que bajo su lógica no existirían obras maestras, que
son las personas con experiencia quienes deciden eso y que sin importar
que no sobrevivan al tiempo están ahí, ella dice "hay diferencias
definidas entre las habilidades técnicas de los escritores".
Cabe mencionar que ninguna de las
dos está equivocada, habrá quienes disfruten ligeramente de una obra bajo sus
propios términos y otros que gusten de interpretar lo que ven para luego encontrar
motivos subyacentes, seguramente ambos terminarán compartiéndolo en una red
social, pero el hecho es que solo uno será una opinión y la otra, una crítica.
ORIGEN Y FUNCIÓN DE LA CRÍTICA
Dios me ampare en poder resumir a
Foucault en su texto “¿Qué es la crítica?”… él dice que en el comienzo de
la historia moderna, lo que hoy se conoce como “crítica” era practicado como un
monopolio medieval de la interpretación bíblica por parte del clero, siendo así
un único privilegio de los Padres de la Iglesia, razón por la que la
“resistencia” con el fin de no reconocer esta autoridad, operaban con otro tipo
de escritura que significaba “no querer ser gobernados ni restringidos por el
magisterio de la Iglesia” (Rauning, 2008).
Este monopolio de la escritura se
tradujo como un retroceso, una suspensión de la enseñanza y por ende al
autoempoderamiento de los lectores. Siglos después, encontraron que Gottlieb
Stolle había resumido el desarrollo contextual de esa época y al mismo
tiempo cerrando el arco de la resistencia contra el monopolio de la escritura
diciendo “se le llama crítica al arte de comprender a los autores antiguos o hacer
comprensible lo que escriben, de distinguir lo que se les ha sido atribuido
falsamente o ha sido tergiversado y de enmendar o reemplazar los pasajes
corruptos”.
Con ello en mente, la función
de una crítica y en consecuencia, de un crítico, no es hablar mal de una
obra sino examinarla cuidadosamente para emitir un juicio serio y sustentado. Es
así que en la actualidad, el trabajo de un crítico ya no es sentirse parte de
una casta de conocedores como si fuera el magisterio, más bien, delograr
que el espectador se vuelva más activo y sofisticado, que refine sus ojos,
oídos y hacerlo conocer herramientas para interpretar el producto que consume,
tal como una resistencia.
LA CONTAMINACIÓN IRREVERSIBLE
Cuando estudiaba animación, uno
de mis profesores nos encargó imprimir un artículo para la clase cuya única
prueba de su existencia que tengo son los apuntes en mi cuaderno y mi don para
recordar cosas inútiles (que esta vez, es muy útil), así que lamento no poder
darles la referencia apropiadamente. Ese artículo explicaba la preocupación de
ciertos estudiantes de apreciación cinematográfica que si adquirían las
herramientas de análisis fílmico ya no serían capaces de disfrutar “inocentemente”
los productos audiovisuales que usualmente consumen.
Este temor infundado de ya no
disfrutar de una obra solo porque conocen más o ya nada les impresiona se le denomina
como “la contaminación irreversible del gusto”, explico: según su autor,
no es que ese conocimiento arruine el goce estético sino que lo amplifica, pues
al adentrarse en los diferentes niveles de significado de una obra le otorgan
riqueza, profundidad y relevancia.
La contaminación irreversible sucederá
tarde o temprano si se consume lo suficiente, de hecho, esa “contaminación” es
parte fundamental de la crítica: la formación del gusto. Cuanto más y
mejor se conozca la forma estética del cine o en mi caso, de la animación, más
exigentes y refinados nos volvemos, en conjunto con las reseñas y el hecho de
que los autores las toman en cuenta (como en muchas ocasiones les he
mencionado) repunta a un mejoramiento de las obras en general.
EN CONCLUSIÓN
Puede que un espectador no sea tan
pasivo como se piensa, pero sí está desinformado y no tiene las herramientas
necesarias para saber de qué hablan las series o películas que consume. Son los
críticos y reseñistas los que poseen estrategias de lectura que permiten no
solo gozar de estos productos desde un punto de vista estético y narrativo,
sino también de comprenderlos desde su estructura incluso conceptual para
después promoverlo entre la audiencia común, únicamente con el poder de la
palabra escrita en una reseña crítica. Recuerden consultar otras fuentes
para que su información sea más completa, nos vemos en una siguiente
publicación.
Referencias:
Rauning, G. (2008) “¿Qué es la
crítica? Suspensión y recomposición en las máquinas textuales y sociales”.
Viena. Recuperado el 4 de agosto de 2020 de: https://transversal.at/transversal/0808/raunig/es
